La Discarica Emozionale

Il meglio del 2011 secondo Sdruz

2012-01-13T03:23:00.000-08:00

The Black Keys - El Camino
Andy Stott - Passed Me By/We Stay Together
Verdena - Wow
David Kilgour - Left by Snow
Dead Skeletons - Dead Magik
Jamie Woon - Mirrorwriting
Pj Harvey - Let England Shake
Real Estate - Days
Cliff Martinez - Drive Soundtrack
Joan As Police Woman - The Deep Field

Jesse Sykes and The Sweet Hereafter - Marble Son
A.A. Bondy - Believers
Ry Cooder - Pull Up Some Dust And Sit Down
Cristina Donà - Torno a casa a piedi
Toro Y Moi - Underneath the Pine
Oneohtrix Point Never - Replica
Seun Kuti And The Egypt 80 - From Africa With Fury Rise
James Blake - James Blake
Gil Scott-Heron and Jamie XX - We're New Here
Colin Stetson - New History Walfare Vol.2 Judges
Telekinesis - 12 Desperate Straight Lines

A. A. Bondy - Believers

2011-12-29T11:19:00.000-08:00

A dispetto del nome che fa così tanto governo-panettone, A.A. Bondy (August Andrew Bondy) offre un'ammirevole alternativa a tutti gli amanti dei Wilco rimasti particolarmente delusi dalle ultime due uscite della band di Jeff Tweedy. Ascoltando "Believers" sembra di venire proiettati direttamente in quello spazio mnemonico incastonato tra gli ultimi Uncle Tupelo ed album come "Being There", in un luogo geografico che ha a che fare allo stesso tempo col folk, il country, il soft rock ed il pop. Una miscela che solo in pochi negli ultimi decenni sono riusciti a contenere incanalandone la potenza in tracce preziose, rimaste nella storia della musica.
Bondy eccelle in particolar modo per quella sua aria da looser, per la sensazione che ne pervade l'opera di non riuscire mai a raggiungere alcun successo se non quello riservato dai suoi pochi esaltati fan.
"Believers" piacerà dunque a quelle persone che stanno trascorrendo, magari, un piacevole momento di solitudine e che sanno apprezzare i momenti d'istantanee esaltazioni così come i momenti di vuoto. Piacerà a costoro soprattutto per il tono discreto e mai invadente della musica e del canto, per un cipiglio da primi della classe sopportabile solo dai più snob strafottenti amanti dello stile particolare.
Una dolce e serena sorpresa, dunque. Un bagliore nella notte invernale, sola, pulsante, e calda.

2011-12-24T10:11:00.001-08:00

Rome - Die Æsthetik der Herrschaftsfreiheit

2011-12-18T04:05:00.000-08:00

Difficile stabilire se un simile ambiziosissimo lavoro sia frutto di una mente illuminata o viceversa di un visionario privo di mezzi termini ed incapace di mediare. Fatto sta che ci troviamo difronte ad un'opera che lascia letteralmente senza fiato: vuoi per la lunghezza dell'intero lavoro (36 tracce divise in 3 dischi: CD1 "A Cross Of Wheat", Cd2 "A Cross of Fire", CD3 "A Cross of Flowers") vuoi per l'impegno richiesto all'ascoltatore nei confronti di uno stile che concede poco spazio ai compromessi. Nella sostanza si tratta di qualcosa che sta tra i Death in June e i Red House Painters. Lunghe e lugubri cavalcate chitarristiche, cadenzate da tamburi che seguono pedissequi il lento incedere del canto, qui e là interventi vocali in lingua teutonica ed ampi spazi lasciati a tastiere e strumenti ad arco da orchestra del settecento. La vocazione "gotica" della musica dei Rome è chiara così come però una certa volontà di creare un ponte immaginario con il folk più tradizionale. Nella sostanza, la sensazione è quella di trovarsi dentro i saloni vuoti di un grande castello della Baviera e percorrerli accompagnati dal suono secco di alcuni poco nobili orchestrali di estrazione volgare.
Strana sensazione, che lascia interdetti.

The Zen Circus - Nati per subire

2011-12-13T07:46:00.000-08:00

Gli ZenCircus sono facile preda degli snob nostrani, molto peggiori di quelli d'oltreManica e d'oltre oceano. Eppure sono bravi: sanno scrivere, usano bene la lororabbia e la trasformano in sarcasmo acido senza (quasi) mai cadere nellabanalità, sanno suonare (cosa rara dalle nostre parti ultimamente) esoprattutto migliorano di album in album. Il loro maggior difetto, a mioavviso, è l'incostanza. Non hanno ancora prodotto l'album perfetto, anche seogni disco contiene delle perle. Nati per subire è meno immediato di Andatetutti affanculo, necessita di qualche ascolto in più per essere apprezzatoappieno, ma credo che sia il loro album migliore. Si inizia con un pokerd'assi, quattro pezzi da lasciare senza fiato: la tirata nazional pop(olare) diNel paese che sembra una scarpa, la cantilena acida di L'amorale, la rabbiacompressa e fredda della title track, disamina scientifica delle nostrepiccolezze, la marcetta (bruto)pop Atto secondo, collage di geniali sloganzencircusiani (l'inferno non esiste ma assomiglia a Rimini d'estate). I duepezzi successivi non sono male, anche se il sarcasmo esibito de I qualunquistisfiora... il qualunquismo e La democrazia semplicemente non funziona dopo iprimi 30 secondi tende ad annoiare. Il mattino ha l'oro in bocca ci fa tornareai livelli dei primi pezzi, ma la caduta di Franco e Milanesi al mare èdesolante e Ragazzo eroe, appena migliore, non risolleva le sorti di questobrutto finale.

Zappa Claus

2011-12-13T06:45:00.001-08:00

The Black Keys - Lonely Boy

2011-11-30T22:55:00.000-08:00

The Black Keys - El Camino

2011-11-30T21:49:00.000-08:00

Accade che due ragazzi facciano musica e a un certo momento entrino nella storia suonando il più antico degli stili musicali moderni: il blues. Iniziano suonando nei sottoscala dei propri appartamenti con lo stesso fuoco sacro dei loro ispiratori, immaginandosi magari perché no immersi nel verde putrescente di una palude del delta anziché circondati dagli attrezzi da bricolage dei genitori (magia dell'arte). Iniziano limitandosi all'essenziale, pochi suoni sporchi allineati con precisa meditazione, per poi negli anni incontrare gente, accumulare esperienza e diventare a loro volta un punto di riferimento.

Viaggiano per l'America, viaggiano per l'Europa, viaggiano per il mondo, e lo spirito infuocato dei due ragazzi anziché spegnersi sotto la cupola calda della notorietà s'infiamma. La tecnica e la tecnologia corre loro in aiuto lì dove il buon gusto suggerisce di non ripetersi, di non commettere l'errore di non percorrere le stesse strade dell'altro ieri.

Oggi i ragazzi sono ancora dei ragazzi, e perfortuna. La loro forza consiste in una formula antica come il mondo: non perdere mai d'occhio la vera essenza della bellezza. Il passato è lì ad ispirarli in ogni momento: Bo Diddley, Little Walter, Little Richard, Cliff Eberhardt, John Lee Hooker, Jimmy Rogers, Robert Johnson, e tutti gli altri sacri dei neri del blues venuti al mondo giustapposta per rendere grazie al divino attraverso la propria opera incendiaria.

Lo spirito è fatto per essere alimentato, attraversato da scariche elettriche salvifiche. Lo spirito è fatto per trascendere tutto ciò che viene dalla ragione.

Il perché due ragazzotti dell'Ohio siano diventati lo strumento attraverso il quale il divino ha stabilito di volere alimentare gli spiriti è un mistero senza ragione.

Alla mia vita perduta

2011-11-03T07:02:00.000-07:00

Desert Island Records # 9 - Andrea Tich

2011-10-30T07:42:00.000-07:00

Andrea Tich è l'autore di un mitologico album, prodotto dalla Cramps nel 1978, "Masturbati". Si trattava di un disco molto "avanti", forse troppo pure per tempi sicuramente più fecondi e creativi degli attuali, e purtroppo il riscontro del pubblico non lo premiò. Sono dovuti passare più di 30 per poter ascoltare il suo successore, "Siamo nati vegetali", prodotto dalla solita Snowdonia, uno dei pochi punti fermi dell'underground italiano oggi. Consiglio vivamente di andarselo a recuperare. Qui potere ascoltare la splendida title track.

La sua "Isola deserta" è costellata di capolavori assoluti e corredata da una personale descrizione di ogni album.

Vi riporto la sua mail così come me l'ha spedita.

Avevo dato 10 album che porterei sull'isola "famosa" con il libro "The Desert Island Record", Christian Zingales me lo propose. Se dovessi aggiungerne altri dovrei stare a pensare un po, altri dischi dei Rolling Stones che ho amato e che amo sono anche:

"Let It Bleed" The Rolling Stones (1969), postumo per Brian Jones morto da poco, suoni crudi ma anche un'alba di cambiamento che però mi fece cambiare rotta. Meravigliose sono: "Gimme shelter", "Midnight Rambler" con l'armonica di Mick portata all'esasperazione, "You got the silver" cantata, se così si può dire, da Keith Richard, e tutte le altre.

"The Yes album" Yes (1971), fantastico esempio di forza, originalità e un po di classico, che questo gruppo, sorprendendo tutti, riusciva a coniugare dando mille spunti e molte ispirazioni, era il periodo dei brani lunghi e complessi.

"The Turning Point" John Mayall (1969), notevole esempio di live denso di blues caldo, sudato e praticamente unplugged, splendidi i brani; "The laws must change", "So hard to share", e la travolgente "Room to moove" , potrebbe fare da colonna sonora di un film di Diego Pascal Panarello...

"Led Zeppelin III" (1070), la svolta, quando ascoltai questo disco, decisi che il volume del mio giradischi (al massimo...), non era sufficente a rendere giustizia al "muro" Led Zeppelin, erano una forza della natura, la potenza del suono di ogni singolo strumento ti portava così in alto che la sensazione era come quando scendi a velocità dalle montagne russe...e poi "Tangerine" un groppo alla gola quando entra la batteria! E pelle d'oca ascoltando "Gallows pole". La pressione da parte dei fans era tale, che fecero uscire questo disco con una copertina provvisoria, che poi venne sostituita andando al negozio con quella che conosciamo.

"Octopus" Gentle Giant (1972), sorprendenti cesellatori delle armonie, complicatissime, che ti proiettavano in un mondo fatto di Fate, Gnomi e Cavalieri, per certi versi accostabili ad alcuni episodi di Zappa, li ho visti dal vivo e sono rimasto di stucco, perchè quello che facevano sui dischi lo riproponevano anche dal vivo...e senza basi! Preferite: "Raconteur, trobadour", "The boys in the band", "River".

"Kozmic Blues" Janis Joplin (1969), che dire ...c'è qualcuno che non conosce Janis? Impossibile, dico soltanto che anche se non era proprio il mio genere di musica, aveva così tanta "passione nera", che era impossibile rimanere indifferenti ascoltando la sua voce. Questo disco è assolutamente necessario sopratutto per chi ama il blues oldies, capolavori sono: "Tray", "One good man", "To love somebodi", "Kozmic blues".

"4 way street" Crosby, Stills; Nash & Young (1971), anche questo un live eccezionale, quattro grandi musicisti che cantano e suonano le loro canzoni singolarmente e poi altre in gruppo, del disco (doppio), preferisco il primo, lo trovo molto più interessante e stimolante fantastiche le canzoni: "Teach your children", "Triad", " Right between the eyes", la superba "Cowgirl in the sand", insomma tutte!!!

"Who's next" The Who (1971), la forza non più generazionale, partorisce questo superbo disco, pieno di innovazioni per il gruppo britannico, i primi sintetizzatori sequencer sulle chitarre di Peter Townshend, il basso di John Entwistle, la voce di Roger Daltrey, che ci ricorda, al contrario quella di Robert Plant... e ovviamente il più eclettico personaggio tra i batteristi di quell'epoca; Keith Moon. Purtroppo alcuni brani sono "esauriti" a causa dell'utilizzo per la serie C.S.I.

"Abbey Road" The Beatles (1969), mi sembra tanto banale preferire questo disco, ma lo adoro...quindi, beato me che lo acquistai appena uscito, ingolosito dai piccoli "assaggi" trasmessi in radio, (Per voi giovani), e poi una volta posseduto...overdosi di Beatles, con commenti, ricerche di accordi e varie, tra noi musicisti in erba, i Beatles, erano un punto di riferimento, ignari che quello sarebbe stata la fine di un'epoca mai più dimenticata.

"Avalon" Roxy Music (1982), mitico gruppo degli anni 70', risorto negli anni 80', che ci ha regalato splendide gemme di musica, sofisticati sin dal nome, i Roxy Music, si sono sempre distinti dal resto, come David Bowie anche Brian Ferry, cadetto del bel canto, è stato sempre coerente con il suo inconfondibile /style. /Se non avete avuto modo di ascoltare questo disco...fatelo subito, scoprirete un mondo incredibile. Splendido esempio il brano: "Avalon", "The main thing", "True to life".

"The Hurting" Tears for Fears (1983), mi sono piaciuti tanto, sopratutto in età (musicale) avanzata, la bella voce di Curt Smith e Roland Orzabal a volte rimembranti le timbriche di David Gahan dei Depeche Mode, completavano le stupende armonie e strutture melodiche delle loro canzoni, condite con sprazzi elettronici ma anche acustici, anche in questo caso, ma molto più apprezzabile con la versione di Gary Jules e l'arrangiamento reinterpretato per l'occasione in chiave acustica dal compositore Michael Andrews per il film Donnie Darko. Memorabili i brani: "The Hurting", "Pale Shelter", "Memories Fade", "Watch me Bleed", "Change", praticamente tutte!

Come vedi, sono molto legato alla musica che mi ha formato, ma ciò non vuol dire che adoro anche molte cose contemporanee, che però ascolto senza soffermarmi più di tanto... magari più in la ne parlerò, intanto spero che qualcuno per curiosità si vada a spulciare i dischi che ho segnalato...oggi non è più un problema.

Merrell Fankhauser - MAUI

2011-10-25T14:10:00.000-07:00

Merrell Fankhauser è prima di tutto un ottimo chitarrista che inizia la sua carriera con la band surf-rock degli Impacts. Folgorato sulla via di Damasco dall'evoluzione di Brian Wilson e famiglia cantante, si trasferisce in California dal natio Kentucky, abbraccia senza timore la psichedelia e fonda prima gli psych-folk Exiles e poi, assieme a Jeff Cotton (poi nella Magic Band di Beefheart) i Mu, dal nome dell'antico continente perduto (!) le cui tracce il Nostro cercherà di ritrovare (!!) negli anni a venire. Proprio con questo scopo si trasferisce nel 1971 nelle foreste hawaiane (!!!) con la compagna Mary Lee, bravissima violinista, e altri due membri della band, i quali però abbandoneranno presto l'avventura. I due vivranno per anni nella foresta, facendo qualche capatina nei villaggi circostanti per suonare in qualche locale ma restando, per il resto del tempo, in completo isolamento e componendo le canzoni che nel 1976 saranno inserite nell'album "Maui". Si tratta di un folk psichedelico fuori tempo massimo, farcito di tutti i luoghi comuni della cultura hippie, ma Fankhauser è uno (dei pochi) che ci crede veramente ed essendo un musicista con i contro-zebedei, le canzoni non sono affatto male. Non stupisce che l'album non sia stato acquistato quasi da nessuno e che sia andato presto fuori catalogo per essere ristampato da un'oscura etichetta svedese alla fine degli anni 80.

Cliff Martinez - Drive Soundtrack

2011-10-10T12:20:00.001-07:00

Dopo aver visto un film come Drive, con cotanta colonna sonora, non puoi fare a meno di cercare di ripercorrere le scene e le azioni del fantomatico guidatore senza nome, e desiderare fortemente di ricreare le stesse atmosfere almeno dentro l'abitacolo del proprio inadeguato autoveicolo (niente 300 cavalli per ruggire nella notte, sigh!).
La colonna sonora è componente fondamentale di questo capolavoro cinematografico come lo fu la colonna sonora di Pulp Fiction: così caratterizzante, così sfacciatamente retrò, così maledettamente cool. Un misto di musiche alla Carpenter e alla Daft Punk, ma così pure una mistura di vari sottogeneri della musica ambient, collocabili all'incirca dalle parti di gruppi come Stars of The Lid (Los Angeles anche qui, perbacco!). Alcune volte ci si trova in luoghi melodici molto simili a quelli Moroderiani dei tempi di Top Gun, ma tutto ha senso, tutto torna. Il crescere inebriante dello scandire di un battito notturno psicotico, l'incedere trionfale dell'armonia. E' innegabile che quest'accozzaglia di suoni sintetici veramente pop non avrebbe molto valore se non fosse stata inserita con precisa meticolosità in mezzo ad un film che probabilmente farà parlare di sé per anni, ma è pure vero che lo stesso film ha beneficiato immensamente di questo sottofondo così fuori dagli schemi.
Il dilemma, quindi, per gli appassionati di condivisione su web delle conoscenze musicali è il seguente:
Dopo 107 giudizi espressi, questo disco ha ottenuto una media di 3,85 su rateyourmusic più per meriti del film capolavoro o più per il suo contenuto musicale?
Difficile dirlo. Ciò nonostante, è bello viaggiare nella notte in auto ascoltando "Rubber Head" ed immaginare di sfrecciare sopra e sotto superstrade affollatissime di umanità senza speranza.

Desert Island Records # 8 - Phillip McSorley

2011-09-16T13:28:00.000-07:00

Phillip McSorley è uno dei due componenti dei Cobalt, una delle più interessanti realtà metal oggi di cui ho già avuto modo di parlare qui. Da qualche anno a questa parte, il Black Metal sembra finalmente essersi lasciato alle spalle, almeno in parte, il satanismo da fiera paesana di stampo nord europeo, il corpse painting, le pose minacciose, la violenza cieca e brutale ed aver abbracciato un nichilismo iper realista figlio dell'esistenzialismo dei Neurosis ed un suono sempre più contaminato da elementi ambient, shoegaze, post-hardcore, noise. I Cobalt sono tra i principali protagonisti di questa evoluzione.

Qui di seguito pubblico l'isola deserta di McSorley. Ogni scelta è motivata da una breve presentazione del disco che naturalmente ho lasciato in lingua originale.

Filth/Blatz - The shit split
When I was a teenager this album shaped the entirety of my worldview. An album boiling with anger and independence.

Mayhem - De Mysteriis dom Sathanas
The cryptic feel and sincerity of the atmospheres on this album are impossible to fake. Every word and note of this album galvanizes me.

Beherit - Drawing down the Moon
If occult testosterone driven gorillas made black metal, this would be the sound. Violent, overbearing and memorable in every way.

Nausea - Extinction
The darkest crust album ever recorded. Nausea sling black sludge all over the earth and remind us of the doom of the future of humanity. Being 16 years old and listening to this on the original black vinyl is a special memory to me.

Damad - Rise and Fall
Damad played powerful and memorable sludge a long time before it was en vogue. This album brims with negativity and hopelessness and leaves you feeling breathless and crushed.

Blood Axis - Blot: Live in Sweden
Militant anthems that send the entitled naysayers of today scurrying for the nearst crack in the wall of timidity from which to sneer. Unapologetic and triumphant in every way.

Clint Mansell - The Fountain soundtrack
Those unfamiliar with The Fountain or the rest of Darren Aronofsky's films wont understand, but this album is the etherial substance of his film. In a word, endearing.

Conqueror - War.Cult.Supremacy
Total assault. Nothing else comes close.

Rod McKuen - Home to the Sea
My mother gave me Rod McKuen records when I was very young, and I still listen to them to this day. No one knows who he is, but I was later in life to discover that Boyd Rice had covered a song of his on Music, Martinis and Misanthropy. Not for closed minded robots of the underground, this album is pure Hemingway.

Lust - Demo 97
A rare old demo that is impossible to track down and has never been re-released, but the sheer power and violence of this demo is not to be missed. Imagine a carthaginian war elephant screaming lyrics to a Revenge album. Total barbarism.

Desert Island Records # 7 - Romina Salvadori

2011-09-04T09:00:00.000-07:00

Era la primavera del 1990, se non ricordo male. Ero un ragazzino che mascherava le proprie insicurezze dietro a un giubbotto di pelle tappezzato di toppe e spillette. Avevo scoperto da un paio d'anni il potere travolgente e salvifico della musica e il mio pane quotidiano si chiamava punk, hard rock, heavy metal, blues. Quella sera andammo a vedere al Teatro Villa dei Leoni, a Mira, una band locale: gli Antinomia. Ingresso 8000 lire. Con il biglietto di ingresso ci fu consegnata una musicassetta che nei mesi e negli anni a venire avrei ascoltato talmente tanto da consumare letteralmente il nastro. Che musica incredibile... Oggi la definirei come una miscela di Kate Bush, Cocteau Twins, Dead Can Dance e Siuxie and the Banshees. All'epoca mi sembrò un suono proveniente da un altro pianeta. Fu una vera epifania. Da dove veniva quel suono moderno e antico al tempo stesso, che alternava e miscelava onde sintetiche a sitar, liuti e violini? E chi era quella specie di divinità in centro al palco? Quel folletto dalle movenze sensuali la cui voce ti trafiggeva? Beh, come avrete capito, si trattava di Romina Salvadori.

Gli Antinomia, con l'ingresso nella squadra Dischi del Mulo/Consorzio, si trasformarono in Estasia (al buon Ferretti non piacevano i nomi contenenti la parola "Anti"...) e registrarono il bellissimo "Stasi". Poi il tristo destino del Consorzio che cadendo si trascinò con sé le nostre illusioni, le nostre convinzioni che sì, in Italia finalmente qualcosa stesse accadendo, fece sì che la creatura Estasia si fermasse lì. Romina però ha continuato a suonare/cantare, prima con i RAN, poi collaborando con molti altri musicisti, fino all'uscita (finalmente) di un album solista (che devo ahimè ancora ascoltare e sul quale quindi non mi pronuncio).

Questa è la sua isola deserta "in ordine sparso":

Ok Computer - Radiohead
Mezzanine - Massive Attack
Homogenic - Bjork
The space between us - Craig Armstrong
Caffé de la Paix - Franco Battiato
Treasure - Cocteau Twins
Secrets of the beehive - David Sylvian
Mellon Collie and the Infinite Sadness - Smashing Pumpkins
Portishead - Portishead
The Mirror Pool - Lisa Gerrard

Desert Island Records # 6 - Davide Ferrario

2011-08-29T12:50:00.000-07:00

Davide Ferrario fa il cantante, non il regista, ma per guadagnarsi da vivere suona la chitarra.
Principalmente collabora con Franco Battiato e Gianna Nannini.
Ha da poco compiuto trent'anni, scrive canzoni e ha partecipato addirittura ad un Festival di Sanremo nel 2007 con la sua ormai defunta band, gli Fsc.
Dicevamo, oltre ad essere un turnista, è un cantante solista e sta per pubblicare un disco che esce a Novembre.
Gli piace suonare male tutti gli strumenti, inclusa la chitarra.
E' appassionato di tecnologia fashion, ama i sintetizzatori e i giocattoli musicali poco costosi, gli animali, in particolare i conigli, si vergogna di dire che gli piacciono i computer e i software, i libri di fantascienza e la vita comoda che non si potrà mai permettere.

Tra l'altro, è amico di Raffa.

Davide, oltre ad indicare i dischi, motiverà la sua scelta:

Radiohead - Ok Computer
perché è stato un cortocircuito.

Oasis - (What's the story) Morning Glory
perché è stato il disco che mi ha fatto smettere di sognare di diventare un dj.

The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
perché è il più bello di tutti.

Blur - 13
perché Caramel è ognuno di noi.

Feist - The Reminder
perchè, anche se non c'entra, mi ricorda la mia prima volta a New York.

Lele Battista - Le Ombre
perché Tutto Strappato è una canzone che mi fa ancora piangere.

MIA - Kala
perchè un disco Hip Hop vorrai portartelo, no?

Placebo - Without You I'm Nothing
perchè è merenda al liceo.

Lorenzo Palmeri - Preparativi Per La Pioggia
perché ci sono parole che vorrei aver pensato io.

Beck - Sea Change
perché lo scopro un po' alla volta. E forse non ho ancora finito di scoprirlo.

Desert Island Records # 5 - Raffaele Stefani

2011-08-27T13:29:00.000-07:00

Raffaele Stefani nasce a Dolo (ve) nel 1977, come il Punk e Liv Tyler (due cose che gli garbano parecchio)
A 21 anni decide che vuole svegliarsi la mattina contento di quello che farà durante la giornata, per cui manda in malora 2 anni di giurisprudenza e si mette a fare il tecnico del suono.
Si trasferisce a Milano, un anno in pubblicità poi per quasi 6 anni assistente di Pino Pischetola che affianca in lavori come "X Stratagemmi" di Franco Battiato e "Buon Sangue" di Jovanotti.
Dal 2006 è il tecnico che segue le registrazioni dei dischi di Gianna Nannini.
Dal 2007 è il tecnico che segue i concerti di Marco Morgan Castoldi.
Dal 2010 ha un bello studio a Monza insieme a Massimo Faggioni (fonico tra gli altri di Antonella Ruggiero).
Dice di fare il suo lavoro con tutto l'amore che ha.

Questa è l'isola deserta di Raffaele:

Ivano Fossati - Macramè
Lucio Battisti - Don Giovanni
The Microphones - The Glow PT2
Telefon Tel Aviv - Farenheit Fair Enough
Tears For Fears - Gold (Best Of)
Depeche Mode - The Singles 86-98 pari merito con Songs Of Faith And Devotion
The Beatles - Abbey Road
The The - Dusk
Mark Hollis - Mark Hollis
Costello-Bacharach - Painted From Memory

Desert Island Records # 4 - Alberto Scotti

2011-08-26T05:22:00.000-07:00

Intellettuale, agitatore internettiano, avanguardista culturale, artista geniale, Alberto Scotti è, assieme al Cinzia La Fauci, l'anima e la mente dei Maisie, progetto musicale che definirei anarco-pop. I Maisie sono una delle realtà più interessanti in Italia oggi e sono andati crescendo negli anni fino a raggiungere una maturità artistica (termine che odio ma vabbè...) e una personalità che li rende davvero unici nel panorama italico. L'ultimo album, Balera Metropolitana, avrei voluto recensirlo per la discarica, ma poi non me la sono sentita di fare una disamina razionale dei 44 (!) pezzi di cui è composto, preferendo di gran lunga godermelo in libertà, da fan. Alberto è anche, sempre assieme a Cinzia, Snowdonia: un'etichetta indipendente con base a Messina tra le più coraggiose (incoscienti?) in circolazione. Avete per le mani un progetto musicale folle, meraviglioso, commovente, irritante, irriverente, geniale e che probabilmente non comprerebbe nemmeno vostra zia? Snowdonia potrebbe essere l'etichetta che fa per voi.

Questa è l'isola deserta di Alberto:

Brainticket - Cottonwoodhill
Gong - Flying teapot
Pink Floyd - A piper at the gates of dawn
Camberwell now - All's well
Can - Future days
Lucio Battisti - Anima latina
Kraftwerk - 2
Robert Wyatt - Rock bottom
The Incredible string band - The hangman's beautiful daughter
Arbete Och Fritid - s/t

Desert Island Records # 3 - Giancarlo Susanna

2011-08-25T06:37:00.000-07:00

Giancarlo Susanna è un giornalista musicale, ha collaborato con L'Unità, con le riviste musicali Audio Review, Rockerilla e Rockstar, ma soprattutto è stato per molti anni conduttore di programmi musicali di Radio Rai come Stereonotte (tredici edizioni dal 1982 al 1997). E' stato il nostro John Peel (ne parlo al passato solamente perché sfortunatamente non conduce più, per il momento, trasmissioni radiofoniche, ma lui è vivo e vegeto, eh!). Non dimenticherò mai le lunghe notti passate ad ascoltarlo e la meravigliosa sensazione di far parte di un culto esclusivo quando scoprivamo dei tesori "nascosti" che con il buio ed il silenzio sembravano ancora più splendenti. Ricordo in particolare il tuffo al cuore che ci fece provare Fuzzy dei Grant Lee Buffalo, conosciuti proprio grazie a Stereonotte. Chiacchieravamo fumando su una terrazza siciliana una notte d'estate e d'improvviso si fece il silenzio e per 5 lunghissimi minuti toccammo il cielo.

Questa è la sua isola deserta:

1. The Beatles - Revolver

2. The Beach Boys - Pet Sounds

3. Bob Dylan - Blonde On Blonde

4. Donovan - Sunshine Superman

5. Fairport Convention - Unhalfbricking

6. Nick Drake - Bryter Layter

7. Gene Clark - (White Light)

8. Tim Buckley - Blue Afternoon

9. Iain Matthews - If You Saw Thro' My Eyes

10. Jeff Buckley - Grace

Desert Island Records # 2 - Stefano Testa

2011-08-24T03:35:00.000-07:00

Stefano Testa è un musicista/cantautore di Porretta, in provincia di Bologna, dove attualmente vive e dove gestisce un cinema teatro. Siccome viviamo in un mondo ingiusto, Stefano ha all'attivo solamente un album, lo splendido Una vita, una balena bianca e altre cose del 1977, liberamente ispirato alla vita e alle opere di Cesare Pavese. Si tratta, a mio modesto parere, di un album stupefacente, splendidamente suonato e arrangiato, in gran parte acustico, che potremmo forse definire folk-prog per la complessità delle composizioni ma che etichettare in questo modo sembra molto riduttivo. Stefano continua a suonare e io nutro la speranza che prima o poi possa uscire il suo secondo capitolo.

Questa è la sua isola deserta:

1. Bob Dylan - Highway 61

2. Bob Dylan - Blonde on Blonde

3. The Beatles - White Album

4. The Beatles - Revolver

5. De Andrè - Crêuza de mä

6. De Andrè - Anime salve

7. De Gregori – Francesco De Gregori (l'album della pecora)

8. De Gregori - Rimmel

9. Le colonne sonore di Nino Rota e quelle di Morricone

10. Wagner - Tristano e Isotta diretta da Karajan

Desert Island Records # 1 - Steve Wynn

2011-08-22T13:38:00.000-07:00

Inauguro con questo post una breve serie di interventi relativi al trito e ritrito argomento dei dischi da "isola deserta". Ho chiesto infatti ad alcuni artisti che apprezzo e con cui ho rapporti "epistolari" o diretti di indicarmi la loro personale top 10.

Parto alla grande con i 10 dischi da isola deserta di Steve Wynn. Per i pochi che non lo sapessero, Wynn è stato la mente e il motore degli immensi e indimenticati Dream Syndicate, quelli che hanno firmato, tra le altre cose, un capolavoro senza tempo come The Days of Wine and Roses. Dopo l’esperienza con i Dream Syndicate Wynn ha prodotto dischi sempre degni di nota (recuperatevi almeno il bellissimo Melting in the Dark).

Ecco i suoi 10 (beh, sono 11 ma a lui perdoniamo tutto...) desert island records:

Television - Marquee Moon
The Rolling Stones - Exile On Main Street
Richard & Linda Thompson - I Want to See the Bright Lights Tonight
Plastic Ono Band - Plastic Ono Band
Big Star - 3^rd
Neil Young - Tonight's the Night
Spiritualized - Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space
Miles Davis - A Tribute to Jack Johnson
The Clash - Sandanista
Bob Dylan - Blood On The Tracks
The Kinks - Lola Versus Powerman and the Money-Go-Round

“But that's just today... Steve”

Elbow - Build A Rocket Boys!

2011-08-21T13:11:00.001-07:00

Sei in macchina. Saranno le 4 della mattina, pensi sovrappensiero. Che poi basterebbe guardare l’orologio dell’autoradio. Ti guardi vivere e guidi. Ti hanno appena fermato i carabinieri e non capisci perché non ti abbiano fatto il test alcoolico. Ed è in questo preciso istante che senti i singoli rintocchi del pianoforte: The Night Will Always Win. E fai davvero fatica a trattenere lacrime e sorrisi. Riesci solamente a tirar un gran sospiro di sollievo. Per liberarti dalla tensione: finalmente i muscoli si rilassano. E pensare che per te è davvero difficile capire le emozioni che ti provocano le persone. Non riesci ad afferrarle, a viverle completamente. Con la musica invece è tutto molto più facile.

Sovrappensiero è arrivata l’estate.

Hai consumato il loro primo album, Asleep in the Back del 2001. E poi li hai persi di vista, per ritrovarli qualche mese fa: Build A Rocket Boys! degli Elbow non ha nulla a che fare con l’estate. Il suo lento incedere rimanda al cadere delle foglie e allo sbocciare dei fiori.

Gli Elbow scrivono “belle” canzoni. Come The Birds, che inizia lenta, quasi con rassegnazione ma che poi si fa vita e la voce calda e leggera di Guy Garvey, che tanto ti ricorda Peter Gabriel, diventa un unico corpo con il tappeto arioso di tastiere e archi.
Lippy Kids, con quel motivetto fischiato in lontananza per dare un tocco di allegria ad una canzone malinconica. With Love, un inno che vorresti cantare nelle notti di tarda estate attorno ad un falò quando il vento obbliga la tua ragazza a rifugiarsi tra le tue braccia. Neat Little Rows: le cose iniziano a movimentarsi, la voce è come se raccontasse una fiaba spaventosa a bambini impauriti, il solido riff di basso dà struttura al tutto. Si ritorna subito alla calma, con Jesus is a Rochdale Girl e The Night Will Always Win, dov'è protagonista la voce di Guy Garvey: nella prima si fa sussurro e il pianoforte dà colore ad una chitarra acustica che si sente troppo sola, nella seconda è intensa e implorante e il pianoforte è ossessivo.
E poi la spensierata High Ideals. The River, con la voce ancora quasi unica protagonista e impaurita nell’interrompere l’essenzialità del suono. Open Arms, altro inno, questa volta da cantare tutti insieme con migliaia di persone per poter iniziare una rivoluzione pacifica. Per finire in serenità con Dear Friend.

Perché in fondo anche l’amore è un sovrappensiero.

Dead Skeletons - Dead Magick

2011-08-19T08:14:00.001-07:00

Dici Dead Skeletons e i riferimenti a cui più ricorre chi li sta recensendo in questi giorni sono sempre gli stessi: Warlocks, Jesus and Mary Chain, Black Rebel Motorcycle Club e Black Angels. A me, tuttavia, fanno venire in mente semmai i Suicide, ma cosa ancora più strana quando ascolto "Dead Magick" non riesco a non pensare ai Massive Attack.

Come si fa a non pensare a Mezzanine in presenza di una traccia come "Dead Mantra"? La ripetitività dei pezzi hard rock psichedelici ricorda molto certe atmosfere trip hop, e la declinazione dissonante e liturgica dei cori sembra quasi essere frutto di macchinazioni digitali. Per questo non vi è dubbio che pezzi come "Get on the Train" appaiano tratti dal secondo grande disco dei Suicide (così pure "Dead Magick I") e violentati poi dai Cramps. Ma poi, alla fine della somma di questi due suntuosi elementi, finisco sempre col dire Massive... Massive... Massive... ossessivamente proprio come un pezzo di Dead Magick.

Se proprio devo accostare questa musica ad altro di più recente (e più rock), posso tirare in ballo i magnifici Black Angels, ma sempre con la massima cautela. I Dead Skeletons infatti intendono la loro musica - come già detto altrove - come un unico lungo mantra senza esitazione, senza mai sospendere il filo teso tra una vetta e l'altra. Il monolitico dipanarsi del suono rotola e travolge tutto secondo una dinamica comprensibile fin dall'inizio dei brani. Niente cambia e niente evolve. Questo disco risulta molto "elettronico" e al contempo distante dagli esempi a cui lo si avvicina.

La monotonicità però diventa una forza lì dove il dilungarsi del mantra mostra bene tutta l'amalgama delle volute, delle inflessioni, delle distorsioni della musica di questo magnifico gruppo islandese. L'incedere costante e le micro-variazioni sono il punto di forza della musica dei Dead Skeletons: il frutto di un ingegno che fa pensare ad un'inversione di rotta rispetto all'evolversi della musica rock degli ultimi vent'anni.

Adesso la musica elettronica è evoluta.

In una nuova forma di rock psichedelico.

Tanto di cappello.

Amy Winehouse - 14 settembre 1983 – 23 luglio 2011

2011-07-24T11:50:00.000-07:00

Un'altra vittima del solito, banale, triste cliché del rock'n'roll. Una voce soul da far venire i brividi, un lento suicidio, un prevedibile epilogo.

Lento - Icon

2011-07-24T08:47:00.000-07:00

Ciò che chiedo alla musica è semplicemente di emozionarmi. Non chiedo niente altro. Dopo aver visto i Mogwai allo Sherwood [concerto che ho assorbito fin nell’intimo dal primo all’ultimo suono e riverbero.] mi immergo ancor di più nel post-rock [quando qualcuno mi chiede “Ma che genere di musica fanno i ……………..?”, io non so mai cosa rispondere, faccio fatica a mettere qualsivoglia etichetta a chichessia”: di conseguenza per me il post-rock è musica strumentale rock. Molto semplicemente.] e dopo l’ascolto di Mono, (Mogwai), God Is An Astronaut, Explosions In The Sky, The Appleseed Cast, Esben and the Witch, Slint, Omega Massif, sento il desiderio di nuove scoperte. E quindi cerco.
E così atterro nel sito del Denovali Swingfest e nella pagina “Lineup” leggo un nome italiano che (ri)desta la mia curiosità: Lento, gruppo post-rock da Roma... E imparo nuovi termini come slowness, atmospheric sludge, post-metal...
Entro nella pagina per poter ascoltare l'album in streaming e rimango inchiodato davanti al pc fino alla fine. Fino a notte fonda. [La pagina si apre con il “play” inserito e i primi suoni mi avevano inculcato il desiderio di andare avanti nell'ascolto…]

Si inizia con Then ed è come camminare su di una terra desolata, terra e nero, freddo e assenza di suoni se non il vibrare del silenzio, e la batteria che arriva inebetita a darti il colpo di grazia e la disperazione è totale e non puoi che cadere in ginocchio per poi rialzarti perché Hymn ti sta inseguendo e la distorsione e i colpi sono raggelanti per poi rallentare e darti un minimo di speranza ma è tutta finzione perché vieni di nuovo risucchiato in un vortice, in un groviglio di ferro inestricabile.

Limb. Non capisci dove ti trovi e in quale epoca se non in un futuro catastrofico e disarticolato ma che sembra seguire una logica perfetta e naturale. Così devono andare le cose. Bisogna rassegnarsi.

Hymen. Cerchi di reagire, senti che puoi farcela, ti fai coraggio e corri, corri, corri. Ma questa volta non per scappare. Per attaccare.

Still. E’ guerra. Rapida e dolorosa.

Throne. Sospensione dell’incredulità.

Least, Dyad.

Icon. (Solo per questo brano varrebbe la pena di ascoltare l’album [lo si può scaricare gratuitamente e legalmente], comperarlo e vedere i Lento in concerto. L’arpeggio verso la fine è un qualcosa di definitivo, come il gin tonic.)

Admission. Il tuo funerale. Ma non c’è nessuno a dir preghiere per te.

Signore e Signori... eccolo tra noi: Lieveansia

2011-07-23T06:40:00.000-07:00

Diamo il ns. benvenuto ad un nuovo DISCARICATO.

Lieveansia è tra noi!

OP8 - Slush

2011-07-14T14:28:00.001-07:00

A volte è solo questione di arrivare sulle cose al momento giusto. E di ringraziare la memoria che continua a rimandare negli anni flash di dettagli, particolari inutili e irrilevanti. Correva l'anno 1997, sul Mucchio apparve una recensione molto positiva di questo disco. Preso dalla smania di costruire una discografia "di base" decente (all'epoca a occhio e croce non possedevo nulla o quasi di Dylan, per dire) ho lasciato perdere. Del resto, nulla sapevo di Gelb o Germano, men che meno dei Giant Sand o Calexico, e E-mule, ma anche Napster, erano concetti pressoché futuribili. Però il nome della band con quello strano gioco di parole mi sono rimasti in testa. Fino ad oggi, in cui mi trovo a parlare di un disco le cui tracce sono piuttosto rare perfino in rete. Non appare in nessuna classifica del decennio o del millennio, e l'unica recensione decente è su AllMusic. Un piccolo tesoro, peraltro musicalmente parecchio accessibile, all'interno del quale si intrecciano i talenti dei tizi nominati più sopra. Uno one-shot riuscitissimo, che trascende i canoni dell'indie rock per parlare di volta in volta in linguaggio del deserto (sintomatica in questo senso l'iniziale "Sand"), piuttosto che quello dell'alternative pop ("I tink of love", probabilmente una delle cose più accessibili della Germano e, si spera, quella che le garantirà una vecchiaia decente) o della sperimentazione (l'omonima OP8). Beninteso, non tutto il disco è memorabile, ma gli intrecci vocali della Germano e di Gelb a tratti possono far pensare a certi memorabili duetti di Nick Cave (Anita Lane? PJ Harvey?) spogliati dalla posa "notturno-oscuro-maledetta", e i sussurri della Germano, svuotati di qualsiasi volgarità o sensualità forzata, ben raccontano uno dei segreti, almeno per il sottoscritto, meglio custoditi degli ultimi 20 anni. Ovviamente il tutto condito con una perizia strumentale che è quasi un marchio di fabbrica.
Un disco da avere a tutti i costi.

Matana Roberts - Coin Coin Charter One: Les Gens De Coleur Libres

2011-07-03T10:43:00.000-07:00

La constellation riesce a ridare vita al corpo molle del jazz producendo artisti quali Colin Stetson e Matana Roberts. Se il primo dei due è totalmente assorto dal suo strumento, tanto da sfruttarne a pieno tutte le possibilità espressive, Matana Roberts si concentra sulle "storie" da raccontare. Entrambi fortemente influenzati dal presente musicale (stretta l'affinità rispettivamente tra Stetson e Laurie Anderson, da una parte, e tra Matana Roberts ed i Godspeed You! Black Emperor dall'altra), riescono nell'opera di rigenerare l'intera gamma degli standard e degli stereotipi. Stetson lo fa lanciandosi nella ricerca di un suono e di un ritmo unici sempre attraverso gli strumenti tradizionali del genere, Matana raccogliere l'eredità del passato (Coltrane e Don Cherry, principalmente) per arricchirla con elementi propri della musica etnica e del post-rock. Matana Robert non suona mai una musica totalmente diversa dal jazz, in nessuno dei brani che compongono ad esempio questo splendido "Coin Coin". E' sempre comunque il jazz ad essere in primo piano, non si ha mai l'impressione che un genere diverso prenda il sopravvento. La forza di questa artista è quella tuttavia di sfruttare tutte le sue influenze non solo amalgamandole efficacemente ma anche mettendole efficacemente a servizio dei suoi obiettivi comunicativi. L'urlo straziante di "Pov Piti" è proprio quello di un piccolo orfano a cui la febbre gialla ha portato via i genitori, "Rise" è un capolavoro free-jazz che evoca immagini di terre lontane, "Liberation for Mr. Brown" ricorda i canti neri di protesta del passato (eppure nel ripetersi del tema e nell'ingresso del contrabbasso così all'improvviso c'è qualcosa di straordinariamente tecnologico), e molto altro ancora.

Coin Coin è un disco senza tempo, la creazione di un'artista unica. Da dove tragga la forza per tenere assieme tutti i pezzi della sua narrazione musicale non ci viene comunicato dai suoi brani. L'eccezionalità dell'ascolto emerge dalle prime note e accompagna l'ascoltatore attraverso tutto il percorso disegnato dalla Roberts. Chiunque ami la musica è fortemente avvisato di non perdersi questo evento rivoluzionario rappresentato dall'uscita di Coin Coin.

BOB GELDOF - How to Compose Popular Songs That Will Sell

2011-06-12T13:50:00.000-07:00

My Dad died as we finished this record. I had time to play it to him. "Not bad" He said. This album is dedicated to that magnificent man.

Shortly after I wrote the above my big sister died suddently also. She thought the record was “easily the best you’ve done (...)”. She was a beautiful and strong woman. The record is also in her abiding memory in this grief-sodden year.

Questo è quanto scrive Bob Geldof nelle liner notes di How to Compose Popular Songs That Will Sell.

I (pochi) album solisti di Geldof sembrano sempre essere collegati in qualche modo a periodi particolarmente sofferti della vita dell'artista.

Il precedente, bellissimo, Sex, Age & Death, risalente al 2002, nasce dal tentativo di esorcizzare i propri demoni a seguito della conclusione della tumultuosa relazione con Paula Yates, morta per overdose da eroina due anni prima, dopo aver lasciato il Nostro per Michael Hutchence, frontman degli INXS, anch'egli scomparso in circostanze tragiche (e squallide) qualche anno prima. Geldof dice che per incidere S, A & D ha dovuto «attraversare oceani di dolore e di tristezza» e descrive l'atmosfera che lo pervade come «esausta, sfatta, il suono di una notte intensa alle due meno dieci». Non si tratta però, come potrebbe sembrare, di un disco "depresso", anzi. Geldof reagisce con rabbia e amara ironia al dolore (ascoltate l'iniziale One for Me) e lascia un pezzo di anima in ogni traccia. Poi, per 8 anni, più nulla.

Oggi Bob Geldof è un signore di 58 anni e mezzo (come ci fa notare lui stesso al centro della copertina della sua ultima fatica), forse un po' meno esausto e sfatto, ma che si porta addosso un bel po' di cicatrici.

Il curioso titolo dell’album ricalca quello di un libriccino trovato ad una bancarella dell’usato, che promette di rivelare i segreti per comporre canzoni di successo. Non credo che il successo, nonostante il titolo, arriderà a questo album. Geldof non è (più) un bello e dannato, non è (ancora) un maledetto istituzionalizzato e pacificato alla Johnny Cash, troppo poco trandy per i rocksnob (Geldof chi? Quello di Live Aid?!?), troppo poco vendibile per tutti gli altri.

Eppure qui dentro, se avrete voglia di superare banali pregiudizi, troverete dei veri gioielli: la sabbiosa e serpeggiante How I Roll (forse apice del disco), i The The (chi se li ricorda?) apocrifi di Blow Fish, il blues malato in salsa voodoo di Systematic 6-Pack, la ballatona stonesiana Dazzled by You, la toccante (dico davvero) Mary Says che non sfigurerebbe in If I Could Only Remember My Name di Crosby, la watersiana Blow.

And So I Watch You From Afar - Gangs

2011-06-05T06:48:00.000-07:00

Probabilmente la frontiera tra heavy metal e post rock è stata definitivamente valicata da questo fantomatico quartetto nord irlandese. Brani dinamici in ogni loro parte, colmi di cambi di ritmo, e senza alcuna possibilità di prevederne la direzione: questa la ricetta di un gruppo che promette di mettere tra sé ed il resto delle band (così dette) post rock anni luce di distanza in termini di lungimiranza musicale. Quella che si delinea è infatti una commistione tra canoni tradizionali del black metal, dell'hardcore, della musica sperimentale se non anche della musica progressive. La forma strumentale dei pezzi consente ai musicisti di non doversi forzatamente concentrare su una melodia bensì sulla dinamicità e sul flusso, molto tecnico, di note, che spinge l'ascoltatore a sentirsi immerso nella forza centrifuga di un volo aereo in picchiata.
Il risultato consiste in una sequenza di lunghi brani che quasi mai finiscono come sono iniziati, e in cui prevale l'intenzione di fuggire dalla noia della ripetizione. La potenza è in primo piano, ma mai a discapito del ritmo. Un viaggio a perdifiato nei meandri di una prova che sembra quasi derivare più da un lungo lavoro di estenuanti jam in studio che nascere dalla penna e dalla programmazione.
Tecnicamente imperdibili

Gil Scott-Heron (1949-2011)

2011-05-29T09:54:00.000-07:00

Se n'è andato un altro grandissimo. Almeno ora avrà vinto i suoi demoni.

David Kilgour - Left by Slow

2011-05-17T13:16:00.000-07:00

Un disco di culto è un disco di cui si desidera celare la bellezza condividendola con le poche persone che senti veramente vicine. E "Left By Slow" di David Kilgour somiglia tanto ad uno di quegli album che trasformano l'ascoltatore in un vigile custode di un segreto impenetrabile. Il culto si trasforma in stupore quando ci si sorprende a pronunciare le stesse parole, le identiche descrizioni che solo pochi uomini al mondo utilizzerebbero per descrivere la stessa cosa. Una condivisione tra pochi, insomma. E' questo l'effetto che fa "Left By Slow". Se ci penso, infatti, ci sono dischi, come ad esempio "The Friends of Rachel Worth" dei The Go-Betweens, che da soli riescono nella loro particolare capacità di accomunare i pochi ammiratori. Questi parleranno di quell'album utilizzando le stesse parole, non importa in che lingua o in quale paese: quell'oggetto rimarrà imprescidibilmente svincolato da ogni definizione letteraria, da una qualsiasi classificazione venuta con la celebrità.
"Left by Slow" è un disco senza tempo, senza possibilità di descrizione unilaterale. Una chitarra in primo piano, una voce sincera, la batteria ed il basso, un pianoforte qua e là. Punto. La semplicità delle armonie basta e avanza. La deliziosa alternanza di umore, nostalgico e allegro, scanzonato a volte (da dove viene fuori "Autumn Sun" se non da un recondito nascondiglio conservato gelosamente dai Pavement?), la forza della scrittura. Ecco il mondo di David Kilgour, vecchia gloria dell'underground neo-zelandese anni 80.
Un piccolo capolavoro prezioso da nascondere agli altri, da custodire gelosamente negli anfratti meno frequentati del proprio guardaroba, da tirare fuori solo in assoluta solitudine, lontani da ogni sguardo.
Un mondo da gustare in solitudine, per riconquistare quella dimensione tipica di chi si sente solo ma eppure vivo.
Vivissimo

White Zombie - Astro-Creep 2000

2011-05-13T13:54:00.000-07:00

Un disco di una bellezza straripante. Sottovalutato e preso sul serio praticamente da nessuno. E' il più bel disco heavy metal realizzato negli anni 90, ma gli appassionati del genere lo disgustano (l'ironia non è contemplata dagli amanti di un certo tipo di musica iconografica). Ha ispirato molti generi che seguirono, primo tra tutti lo stoner rock. Non smette mai di suonare moderno e sfrontato.
Un disco praticamente perfetto.
Da isola deserta.

2011-05-11T12:38:00.000-07:00

trent'anni fa moriva bob marley. questo è in assoluto il tributo che preferisco.

The Jim Jones Revue (Unwound Padova 7 maggio 2011)

2011-05-08T08:59:00.000-07:00

All'inizio il pubblico (non numerosissimo, al dire il vero) è sembrato freddo, ma sono bastati pochi assalti sonori per risvegliare la sensibilità sanguinaria anche dei più timidi. Questo moderno Jerry Lee Lewis ha infuriato tutta la serata senza mai perdere occasione di urlare e sbraitare al ritmo fragoroso e lancinante della chitarra Rupert Orton. Jim Jones si è mosso come un assassino desideroso di squartare corpi. Era dal 1994 che non partecipavo ad un pogo, e ieri sera ne sono stato risucchiato senza neanche starci tanto a pensare. Credo di avere perso definitivamente l'uso di un crociato del ginocchio sinistro e di essermi rotto un menisco al ginocchio destro, ma il dolore lì per lì mi ha fatto addirittura godere. Ballavo sotto il palco davanti a sto primitivo essere delle caverne ad un volume difficilmente sopportabile da qualsiasi forma umana, e pensavo tra me "Questo sì che è un cazzo di concerto".

Chris Bathgate - Salt Year

2011-04-25T08:43:00.000-07:00

Violini e pianoforti. Banjo e chitarre. Un andirivieni di suoni classici del folk ad impreziosire un lavoro fatto principalmente col cuore. Poi, cosa importa se le invenzioni si contano sulle dita di una mano e se la ragione non riesce a trovare un perché per ogni nota? Ciò che conta è l'amore e il sentimento. Eh già! Perché Bathgate fa quello che sa fare: scrivere belle canzoni, e basta. Il suo ultimo lavoro è una sorta di Pacific Ocean Blue, scritto per i fanatici della melodia d'inizio secolo, un viaggio fatto da trasvolate su paesaggi desertici o su distese silenziose al limite della civiltà. In "Salt Year" niente sembra dissonante. In ogni brano emerge sincera l'anima del cantautore di strada, del menestrello stile Woody Guthrie. Qualcosa di strano pare emergere in brani come "Leeve", ma tutto rientra nel caldo alveolo dell'animo "classico" del rock quando echeggiano le prime note di una chitarra che pare risalire da "End Of The Game" di Peter Green. Pure "Borders" pare ingannare l'ascoltatore, facendogli pensare ad un lento epilogo tramutato in noia, ma poi decidono d'irrompere mille suoni elettrici e tutto si fa stellare.
"Salt Year" è un disco che spopolerà, ed il fatto stesso che si tratti di semplice folk rock eliminerà ogni dubbio circa l'effettiva genuinità dell'opera. Questo disco è una piccola gemma di delicatezza e perfezione formale che lascia senza fiato, uno di quei dischi da ascoltare a ripetizione al caldo tiepido di un tramonto primaverile.

rock... impegnato?

2011-04-19T12:59:00.000-07:00

Apro con questo post una sorta di discussione con gli amici discaricatori emotivi e spero con molta altra gente... la motivazione nasce dall'impegno che mi sono preso con un gruppo di 17enni per 2 serate (12 e 19 maggio 2011) all'insegna del rock cosiddetto "impegnato". Ovviamente si tratta di un impegno "aperto"... qualcuno viene con me?
Così, dopo l'entusiasmo della proposta iniziale, mi scopro incartato nelle innumerevoli sfaccettature della materia, ovviamente impossibile da trattare adeguatamente in 4 ore e lasciando il dovuto spazio agli ascolti.

E dunque... da dove partire? Al di là del fatto che una decina di anni fa l'innefabile Scaruffi in persona mi aiutò a elaborare una lista di musicisti "impegnati" dagli anni '50 ad oggi, credo sia necessario qualcosa "di più".

Ho provato a individuare alcune possibili piste di lettura... ovviamente incomplete e passibili di tutte le modifiche che si possono immaginare.

1- Gli Eventi, a loro volta suddivisbili in 2 filoni:
- eventi per promuovere la cultura "alternativa" (dai grandi raduni dei '60, uccisi definitivamente da Altmont, alla New York di Patti Smith e Richard Hell)... il cui valore "politico" è, forse, veramente riconoscibile a posteriori da parte di chi riconosce il loro valore nel promuovere la (contro?)cultura "giovanile"
- "benefit" veri e propri, dal concerto per il Bangladesh del 1972 ad "amiche per l'Abruzzo"... Parate di stelle, con un picco negli anni '80. Quanto è pubblicità, quanto è solidarietà? Ma è più sincero/efficace il mega evento (Live Aid, Conspiracy of Hope...) o lo sono le iniziative benefiche "in piccolo" e, soprattutto, legate al contesto politico e sociale del luogo a cui appartengono gli artisti (pensiamo a Paul Weller e soprattutto Billy Bragg che sostengono gli scioperi dei minatori negli anni '80 e contribuiscono alla nascita del Red Wedge)?
Ha forse ragione Max Stefani quando di quando in quando sputa veleno su molte di queste iniziative, chiedendo a gran voce di vederne i bilanci? Non ha tutti i torti, se pensiamo che dalla "madre" di questi happening (ossia il live per il Bangladesh voluto da George Harrison) sortì ben poco per le popolazioni bisognose. E molta réclame per i musicisti. E una sorta di pacificazione delle coscienze degli acquirenti il biglietto o il disco (questo fenomeno è probabilmente arrivato all'apice con LiveAid e la possibilità di donare "da casa" in tempo reale, ossia la madre di tutti i Telethon presenti e futuri).

2- Artisti impegnati "tout court", soprattutto per quanto attiene alle liriche (alla rinfusa... U2 anni '80 e non solo, Dylan dei primi 3 album, Pink Floyd dell'era "The wall", Clash, Phil Ochs, etc etc... fino ai nostri Gang), tenendo ben presente quello che il (all'epoca) giovane Zimmerman disse allo pseudo-rivale Ochs... "quello che scrivi è merda perché la politica è merda".

3- Artisti per i quali il messaggio politico risiede soprattutto in determinate scelte stilistiche... sicuramente il Paul Simon di Graceland ne fa parte (fare un disco con musicisti sudafricani in pieno apartheid), o Peter Gabriel che s'indebita per il WOMAD, ma penso anche a tizi come gli Specials (a proposito, ma ci siamo mai fermati a riflettere su quanta gente di colore ha attraversato la storia del rock? a meno che non consideriamo in senso lato "rock" anche il soul, l'hip hop, la techno....).

C'è da aggiungere che per molti artisti è difficile individuare una "casella", piuttosto si muovono trasversalmente tra più ambiti... un esempio celeberrimo è Springsteen che scrive "Nebraska", va a registrare "We are the world", va in tour per Amnesty e quando tutti lo considerano finito se ne esce con un disco No Global quale "The Ghost of Tom Joad": già, no global, come lo erano i RATM che hanno ripreso la canzone omonima sia dal vivo che su disco. Ricordo un articolo sul Mucchio, durante gli anni '90, a firma di Massimo Del Papa, che se la prendeva con i RATM, considerandoli la punta dell'iceberg dell'ipocrisia, chiedendosi quali e quanti interessi potesse (possa) avere una multinazionale quali la Sony... che non è la vecchia discussione in cui si trovarono impelagati i Clash quando firmarono (ma guarda un po') per Sony/Columbia... se nel '77 l'artista si sputtanava tradendo l'ideale indipendente, oggi la questione è molto più spinosa. Nel senso che si possono anche incidere canzoni che parlano del lavoro sfruttato degli operai cifnesi, ma i monitor che usi dal vivo sono fabbricati se non in Cina, di certo a Taiwan. E il MacBook che usi per i demo, non è forse fabbricato dove il lavoro "costa meno"?
E, se la questione riguarda tutti da almeno 25 anni (nel senso che la consapevolezza non è affare dell'altro ieri... la copertina del mostruoso "Scum" dei Napalm Death è del 1986), che diritto ha un artista di farsi portavoce di determinate istanze? Ha, forse, più senso scegliere il DIY? Tra l'altro scelta che ha portato a produzionie veramente eccellenti, pensiamo solo scena americana degli anni '80 (una delle cose più eccitanti accadute alla musica del XX secolo) ma anche alla vitalità delle esperienze italiane degli anni '90. Ma questa è una discussione già vista e sentita milioni di volte, totalmente inutile soprattutto di questi tempi.

L'ultima riflessione, la più inquietante, è mutuata da un pezzo di Claudio Magris apparso sul Corriere la scorsa estate (se v'inuriosisce lo recuperate qui). Non parlava di musica ma dell'esperienza di Leni Riefenstahl, la famigerata regista del nazismo. La riflessione di fondo proposta è la seguente "i poeti hanno un cuore freddo [...]; se scrivono una lirica sulla morte di un bambino, corrono il rischio di commuoversi più per le loro sillabe e le loro rime che per la morte di quel bambino".

Se accettiamo questa idea, nulla vale più. Cadono tanto Robert Wyatt quanto Marino Severini... e, del resto, in molti con l'andare degli anni hanno mostrato contraddizioni di varia natura. Come non scordare certe posizioni ambigue di Lennon o la "clamorosa" scoperta della tossicodipendenza di Gil-Scott Heron che poco prima metteva in guardia i teen agers dalla "Angel Dust"... Fatti nostri o fatti loro? Prendiamo quel che ci pare buono e sotterriamo le idee? La discussione è aperta...

1- continua

Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby

2011-04-16T07:28:00.000-07:00

Avevo dodici anni e andavo in seconda media. Lei si chiamava Barbara ed era bellissima. Caschetto nero, nasino alla francese, occhioni da cerbiatto. Il giorno in cui mi invitò al suo compleanno ero il ragazzino più felice del mondo. Fantasticai per giorni su quell'evento grandioso, immaginandomi sguardi intensi, ammiccamenti e infine confessioni amorose. Ma poi, come spesso accade, la festa si rivelò una gran rottura di coglioni. Patatine, cocacola, silenzi, imbarazzi preadolescenziali, giochi idioti e musicassette. Già, musicassette. Tra queste ce n'era una che mi colpì all'istante, appena fu inserita nel radioregistratore Grundig grigio. Si trattava, come avrete intuito, di Introducing the Hardline according to Terence Trent D'Arby. Quella voce nasale, quel groove soul e tremendamente pop allo stesso tempo e soprattutto quelle melodie insidiose mi catturarono. Le canzoni erano una più bella dell'altra e non lasciavano scampo. Il giorno dopo chiesi a mio padre dieci mila lire e andai subito ad acquistare la cassetta.

La cotta per Barbara passò in fretta, sostituita da quella per Elisa, poi da quella per Marcella, poi da quella per Lucia... ma la passione per questo album non mi abbandonò mai: sopravvisse alla scoperta dell'Heavy Metal, poi del Punk, poi dei Sixties...

In seguito quella cassetta accumulò tanta polvere, è vero: c'erano tante cose da scoprire ed ascoltare. Ma da qualche parte quel ragazzino imberbe e insicuro si esalta ancora quando ascolta Wishing Well, Dance Little Sister, Rain, Sign Your Name o Seven More Days.

Critica febbrile (aprile 2011)

2011-04-16T03:25:00.000-07:00

Anna Calvi - Anna Calvi: tanto hype per nulla. Disco carino, ma l'interesse dura il tempo di un ascolto.

The Decemberists - The King Is Dead: eclettici e interessanti come sempre. Il loro precedente era (quasi) prog, questo è quasi esclusivamente acustico, atmosfere alla Neil Young prima maniera. Belle canzoni, punto.

J Mascis - Several Shades of Why : Mister Dinosaur Jr torna con un album degnissimo. Non si discosta molto dalle cose meno rumorose dei Dinosaur post-Green Mind, ma condisce i pezzi con abbondanti dosi di archi, assolutamente inediti per il Nostro. Non sarà un capolavoro, ma la voce strascicata e miagolante di Mascis colpisce sempre nel segno.

Josh T Pearson - Last of the Country Gentlemen: album un po' monocorde, che non colpisce al primo ascolto, ma sono sicuro che si tratta di un disco che necessita più ascolti per rivelarsi appieno. In questo caso consiglio vivamente di ascoltare con attenzione i testi. A chi non lo avesse, consiglio vivamente di andarsi a recuperare l'unico disco della sua band precedente, Lift to Experience.

Malachai - Return to the Ugly Side: psichedelia a volte eccessiva, a volte sbilenca, un pout pourri di suoni e visioni. Da provare.

Joan as Police Woman - The Deep Field: ne ho già parlato qui. Confermo l'ottima impressione iniziale.

Phil Manley - Life Coach: electro prog? Minimal wave? Ambient Kraut? Non saprei, però Manley raccoglie il testimone, senza sfigurare, di mostri sacri quali Ash Ra Tempel (il suo non-stile ricorda moltissimo quello di Manuel Göttsching).

The Twilight Singers - Dynamite Steps: Dulli interpreta se stesso al meglio.

Black Label Society - Order of the Black: da qualche parte tra Sabbath e Soundgarden con un retrogusto southern. Prevedibile ma tutto sommato piacevole.

Colin Stetson - New History Warfare Vol. 2: Judges: un disco meraviglioso! Sfugge a ogni categorizzazione.
Non aspettatevi virtuosismi o seghe da addetti ai lavori, New History Warfare Vol. 2: Judges è un viaggio, un'esperienza unica. Da parecchio non ascoltavo qualcosa così originale e coinvolgente allo stesso tempo.

Telekinesis - 12 Desperate Straight Lines: vorrei essere Robert Smith. No, vorrei essere Brian Molko. No...

Buffalo Tom - Skins: a volte, quando meno te l'aspetti, ritornano. E lo fanno alla grande. Album onesto, sincero come chi non ha più nulla da dimostrare e nulla da perdere.

AAVV - Tron Legacy RECONFIGURED

2011-03-23T22:02:00.000-07:00

Tanto deludente la colonna sonora originale quanto sorprendentemente bella questa raccolta di remix prodotta a pochi mesi di distanza dalla proiezione del film Tron Legacy. Bisogna dire che quella che hanno avuto i Daft Punk, potendo contare sugli ingenti mezzi messi a disposizione della Disney, con tanto d'intera orchestra sinfonica al loro completo servizio, è stata letteralmente un'occasione mancata. La serie ininterrotta di superflui crescendi musicali in puro stile tradizionale del genere è sembrata ai più una resa alle pressioni della produzione, e ciò è stato percepito come un peccato imperdonabile da parte di chi di condizionamenti è parso letteralmente fregarsene negli anni (considerando che invece c'è chi di un'occasione come quella di comporre una colonna sonora ha saputo ricavarne il massimo risultato).
Questa raccolta di remix servirà quindi a rinfrancare chi come me, superaffezionato dei DF, è rimasto scottato da tanta delusione. I brani di RECONFIGURED sembrano infatti essere tutti ispirati da un insistente citazionismo del suono tipico del duo transalpino. Ogni autore invitato a rivisitare i brani di Tron Legacy ha saputo intervenire potentemente su ogni aspetto, dal suono alla scelta dei beat, dando ad ognuno di essi una chiara connotazione dance. Qui non si parla tanto di qualità musicale generale quanto della bravura di ognuno dei gruppi qui presenti. Basti ascoltare come i semi-sconosciuti Glitch Mob abbiano saputo ripotenziare "The Grid", oppure come gli altrettanto semi-sconosciuti Ki: Theory abbiano saputo con altrettanta maestria trasformare l'innoqua "The Son of Flynn" in un vero avamposto di dance apocalittica. Gli unici nomi a fare veramente sensazione sono Paul Oakenfold, i Photek e ovviamente Moby. Ma di questi è come se se ne possa fare a meno (Beh oddio, "End of Line" così rifatta dai Photek fa venire letteralmente la pelle d'oca). Sono infatti i gruppi meno noti a dare quel qualcosa in più all'intera compilation: un misto di sfrontatezza e di venerazione nei confronti dei DF che ha finito col produrre risultati inverosimilmente fuori da quella logica classica alla base di ogni remix, che vuole i rifacimenti generalmente due passi indietro rispetto agli originali.
Qui no, invece.
Siamo 10 passi avanti.

Critica Febbrile (Febbraio 2011)

2011-02-26T01:18:00.000-08:00

Toro y Moi - Underneath the Pine, chiamatelo Chillwave, Glo-fi, Andatetuttiacagare (come dice il ns caro Ivic), fatto sta che pur trattandosi di un dischetto, esso può considerarsi a tutti gli effetti una piacevole esperienza da non perpetrarsi oltre gli n=2 ascolti.
Maceo Plex - Life Index, disco dance molto tradizionale ma anche molto gradevole. Sulla scia del monumentale Robert Owens.
Earth - Angels of Darkness, Demons Of Light 1, bella l'idea ma quando l'hai perpetrata per oltre vent'anni senza aggiungerci o cambiare una virgola, un po' i coglioni ti si sfracellano.
Yellow Ostrich - The Mistress, cisputosù
Veil Veil Vanish - Change In The Neon Light, piacevole anche se deve troppo ai Cure. Da fare ascoltare agli amici ignoranti per fare colpo.
The Dirtbombs - Party Store, tradurre in rock la musica elettronica è stato fatto molte volte in passato, e sorprende che un grande come Mick Collins si esalti quasi come avesse fatto la scoperta più geniale di tutti i tempi. Sembra di ascoltare i Rapture.

Apes On Tapes - Foreplays, bello che siano italiani, bello che siano bravi e bello che lo mettano in download gratuito. Ma niente di più.

The Low Anthem - Smart Flesh, cos'è sta storia che un numero sempre maggiore di band sembra volere emulare Bob Dylan nei suoi ultimi anni imitandone la voce da vecchia babbiona?

Telekinesis - 12 Desperate Straight Lines, disco carino. Li apprezzo perché mi ricordano i Pinback.

Gil Scott-Heron and Jamie XX - We're New Here, disco molto bello. Merita per il solo fatto che il responsabile dei ritmi degli XX si stia rivelando quale uno dei migliori interpreti della musica elettronica dei ns tempi. Ed il fatto che decida di remixare il grande Gil Scott non può che aumentare la stima che già nutriamo nei suoi confronti.

Akron-Family - ST II The Cosmic Birth and Journey of Shinju TNT, scoccia constatare come vi siano ancora giovani che credano di replicare adesso lo spirito degli anni 60-70

Rumer - Seasons Of My Sou, forse un po' troppo Dusty Springfield, forse un po' troppo Bacharach, forse un po' troppo retrò, ma questo disco è cmq molto bello.

PJ Harvey - Let England Shake

2011-02-12T15:03:00.001-08:00

Reazioni ad un mio sms inviato a multipli indirizzi in cui scrivo:
"L'ultimo di Pj Harvey è notevole"
Risposta #1: "Dai! Non l'avrei mai detto"
Risposta #2: "Sicuro non sia la solita rottura di coglioni?"
La sera stessa invito un po' di amici a casa mia, tra i quali una discreta percentuale di conoscitori di musica. Provo a vedere che effetto ha"Let England Shake" facendolo suonare sul mio stereo senza dir loro di cosa si tratta.
Dopo un paio di brani qualcuno si sveglia dal letargico effetto della birra e mi chiede: "Ma che disco è questo? Molto bello..."
"Non ci crederete", dico io. "E' l'ultimo di Pj Harvey"
"Noooo, dai. Impossibile"
"Eppure"
"Non sembra neppure lei. Ma che voce ha?"
"Eh eh"

Considerazioni a margine: "Let England Shake" non somiglia a nessuno dei dischi fin qui prodotti da PJ, né a quelli del periodo d'oro risalenti al periodo dell'ormai perduta innocenza artistica e tanto meno a quelli noiosi del secondo periodo, rovinati dall'insensato tentativo di somigliare a Nick Cave. Tolti sporadici esperimenti vocali (come nel caso di "On Battleship Hill"), PJ ha una voce sorprendentemente simile a quella di Sheryl Crow. Il paragone, lo so, non è il massimo, ma l'effetto è comunque piacevole.

Cristina Donà - Torno A Casa A Piedi

2011-02-05T10:51:00.000-08:00

Strano parallelo quello che sta percorrendo Cristina Donà, con la sua pressoché trasposizione anglofona di cui abbiamo parlato nel precedente post: ovvero sia sua grazia Joan As Police Woman.
Simili per gusti musicali ed entrambe contraddistinte per avere per molto tempo soggiaciuto in un limbo sia musicale che commerciale. Entrambe vantano infatti un'onorata carriera alle spalle, entrambe hanno sempre dimostrato di valere tanto ma allo stesso di non avere mai "azzeccato" tutti i brani in nessuno dei loro precedenti album. Entrambe non sono mai state riconosciute dalla critica quali le artiste a cui dedicare sistematicamente la recensione del mese ad ogni loro uscita oppure su cui soffermarsi ogni volta che occorre fare un confronto con un celebre esempio.
Entrambe paiono essere contraddistinte da una forte connotazione intellettuale, che a volta inevitabilmente guasta i rapporti con la stampa specializzata quando si tratta di stilare la classifica dei più simpatici.
E poi?
Poi tutto d'un tratto, a distanza di pochi giorni l'una dall'altra, Joan e Cristina pubblicano l'album della maturità, della perfezione. L'album in cui ispirazione e consapevolezza (Ispirazione ed Informazione?) si sposano alla meraviglia, concretizzandosi naturalmente senza che l'una entità sovrasti l'altra.
Come per Joan, Cristina è riuscita infatti con "Torno a casa a piedi" a realizzare un'opera che non tarderà (FINALMENTE) a mettere d'accordo tutti quanti sulle sue reali qualità di cantautrice. In questo disco, infatti, tutto è vario ma allo stesso tempo equilibrato. I testi sono discreti, ma qualche volta anche azzardati, azzardati senza suonare mai fuori luogo. La solita delicatezza di Cristina non viene mai sovrastata, come spesso accadeva in passato, dalla musica. Tutti i brani tradiscono l'emozione dell'artista, come è bene che sia, e quasi sempre l'intensità frantuma le manchevolezza inevitabile della lingua italiana quando si tratta di cimentarsi con il pop moderno.
10 e lode.

Joan as Police Woman - The Deep Field

2011-02-03T01:10:00.000-08:00

Come già Cat Power fece con You Are Free e soprattutto con lo splendido The Greatest, Joan Wasser esce dalle (magnifiche, intense e struggenti) paturnie post-adolescenziali e scopre il Soul. Il risultato è stupefacente: atmosfera sensuale e sudata, ritmica finalmente spesso e volentieri in primo piano, basso corposo, organetti seventies, piano quasi inesistente, canzoni che fanno venire voglia di seguire il tempo col clapping. Forse non è un caso che anche per Joan, come per Cat Power, la "conversione” sia avvenuta dopo un album di covers, come se il confrontarsi con i pezzi altrui avesse contribuito ad aprire gli orizzonti musicali e avesse stimolato la voglia di percorrere nuove strade. Non piacerà ai fan duri e puri della prima ora ma The Deep Field, con un'espressione utilizzata spesso a sproposito, è davvero il disco della maturità artistica di Joan.

Il suono in cui vivremo - Il sistema alt-rock italiano negli anni dieci

2011-01-26T01:49:00.000-08:00

Opportunità vs. catastrofe, legale vs. illegale, pirateria vs. nostalgia, apocalittici vs. integrati. Timori, entusiasmo, nostalgia, ipotesi e confusione: l'indie-rock ai tempi del post-web.

di Stefano Solventi

La sindrome del grisù

Avete presente la storia dell'uccellino in gabbia nelle miniere di carbone? Ce lo portavano perché, prima che esistessero i moderni rilevatori, era il modo migliore per accorgersi della presenza del micidiale grisù. L'uccellino, grazie alla sua fragilità, moriva per primo. Smetteva di cantare e schiattava. I minatori avevano così qualche chances per cavarsela. Se fuggivano in tempo. Se niente andava storto.

Stavo raccogliendo le idee per buttare giù il presente articolo e mi è venuta in mente questa storia che non c'entra nulla, o forse sì. Mettiamo che la musica sia l'uccellino del caso, il nervo sensibile che lancia per primo (o tra i primi) l'allarme, quando la situazione inizia a precipitare. Ed il resto segue a ruota: cinema, tv, letteratura, informazione...Ok, è una visione romantica e perciò distorta, parziale. Del resto, siamo rockofili impenitenti. Tendiamo a mettere sempre la musica al centro e prima di tutto. A farne una questione vitale. Figuriamoci invece chi la musica la fa. Vedi le quasi contemporaneee e convergenti dichiarazioni di due pesi massimi del rock più o meno indipendente italiano: Cristiano Godano sul Mucchio Selvaggio e Francesco Bianconi sulla nostra webzine.

Il rocker di Cuneo, chiosando l'ultimo lavoro dei Marlene Kuntz, ha sostanzialmente condannato il free download che compulsivamente fa stivare negli hard disc pacchi di mp3 che non verranno mai ascoltati come dovrebbero e meriterebbero. Il leader dei Baustelle si colloca sulla stessa lunghezza d'onda, allargando il discorso ai social network fino a chiudere un'argomentazione che sa di condanna: "negli anni Novanta, prima che esistessero i nuovi mezzi di comunicazione, band come i Non Voglio Che Clara o Le luci della centrale elettrica sarebbero forse anche più famosi di adesso, anche senza il tam tam mediatico di internet. Voglio dire che tutto questo gran parlarne, questo circolare di informazioni serve, fa bene, ma non agli artisti. Sui blog e sui social network si parla molto di una band, ma questa, se vuole far uscire un disco, deve pagarselo coi propri soldi. I dischi venduti sono pari allo zero. Le etichette indipendenti chiudono.".

Articolo completo qui

Verdena - Wow

2011-01-22T02:31:00.000-08:00

Ai Verdena vorrei dire che li ammiro, e che li stimo immensamente. Ai Verdena vorrei dire che in loro vedo una curiosità musicale che non ha pari in Italia, ed un coraggio immenso nel fare sempre e comunque ciò che desiderano. Ai Verdena vorrei dire che la loro maturazione si sta compiendo - è evidente - sia dal punto di vista compositivo che della produzione e nella resa dei suoni. Ai Verdena vorrei dire che qualche volta i loro brani non dovrebbero venire "imbottiti" di tutto ciò che passa loro per la testa sull'onda dell'ispirazione (anche se, d'altronde, questo è un po' il loro bello). Ai Verdena vorrei consigliare di lavorare un altro poco sulle voci (trovo fastidioso che spesso non si capiscano le parole, talmente queste vengono talvolta sommerse dal devastante tappeto sonoro da loro prodotto). Ai Verdena vorrei dire di continuare così e di non farsi condizionare da questo brutto mondo dell'industria. Ai Verdena voglio un gran bene. Ai Verdena vorrei dire che la loro è una strada impervia, ma che alla fine ce la faranno perché è chiaro che hanno un talento immenso. Ai Verdena dico che la prossima volta che passeranno dalle mie parti correrò a vederli in concerto (sarebbe la mia prima volta). Ai Verdena chiedo scusa di averli così brutalmente ignorati fino ad oggi. Ai Verdena dico che....

Beh, che altro?
Il mondo è vostro.
Conquistatelo

il meglio del 2010 secondo bassistafallito

2011-01-15T12:20:00.000-08:00

Allora,
premesso che:
- sottoscrivo praticamente tutto quello che riporta l'illustre Beppax, e quindi sono molte di più le cose che devo sentire di quelle che ho già ascoltato con la dovuta attenzione
- il disco che più ho sentito nel 2010 è "Learning to cope with Cowardice",una roba uscita più di 30 anni fa ma in grado di far impallidire chiunque ancora oggi
- la canzone che ho più ascoltato è "the boxer" di Simon & Garfunkel, non chiedetemi il perché,

ecco a voi i miei dischi dell'anno appena concluso, non consideratela una classifica ma una sorta di parimerito altalenante:

Beach House - Teen Dream
Perché definire questo disco "sublime" è, forse, riduttivo

John Grant - Queen of Denmark
Come non si può non amare uno che scrive una cosa come "Sigourney Weaver"? Comunque senza dubbio il disco più emozionante dell'anno

Balmorhea - Constellations
Un distillato di emozioni tra classica, minimalismo e post-rock. Un disco unico e intensissimo

Gil-Scott Heron - I'm new here
Ascoltare quest'album è come sentire un angelo caduto che tenta di rialzarsi verso la luce

Superchunk - Majesty Shredding
Feeling young inside!!!

Dvdub - The art of dying alone
Un solo disco di musica elettronica all'anno. Di più non riesco. Ma questo gioiello di ambient e isolazionismo travalica i giudizi di genere

Justin Townes Earle - Harlem City Blues
Assieme al successivo, un disco "vecchio dentro" ma sentito come pochi. Blues, folk, country e gospel riletti dal più degno figlio d'arte di cui si abbia notizia ultimamente

Aloe Blacc - Good Things
Perché tra i dischi migliori inserisco uno che sembra figlio di Marvin Gaye e Stevie Wonder? Perché questa è classe, in barba a tutto il nu soul degli anni più o meno recenti...

The Soft Moon - s/t
L'ennesimo revival new wave? O un capolavoro che affonda le radici nel gothic rock?

Bonnie "Prince" Billy and the Cairo Gang - The wonder show of the world
Come? Un'altro disco di Will Oldham? No, semmai il problema è che non c'è nessuno che in 20 anni di carriera sia riuscito a mantenere un qualità così elevata. E l'ennesima conferma non può che essere celebrata

Altri degni di menzione:
v/a - We are only riders - The Jeffry Lee Pierce Project Sessions (questo ha mancato di poco la top 10. E' come ascoltare un club di sopravvissuti all'autodistruzione che si racconta le storie di chi, tra loro, che non ce l'ha fatta)
Yellow Swans - Going places
Black Keys - Brothers
Elektro Guzzi - s/t
Twin Shadow - Forget
Vampire Weekend - Contra
Wovenhand - The Threshingfloor

Il meglio del 2010 secondo beppax

2011-01-11T03:54:00.000-08:00

Qualche considerazione iniziale:

La riscossa dei vecchi: alle prime due posizioni troviamo due vecchiacci come Young e la Anderson. Un altro anziano di tutto rispetto (Scott Heron) si trova tra i primi 10 e tra i primi 20 troviamo addirittura Robert Plant (gli indie snob a questo punto saranno inorriditi!!!) e John Mellencamp. Le cose sono due: o io con l'età mi sto rincoglionendo e sto maturando gusti musicali da ospizio, o i vecchietti oggi hanno molto più da dire rispetto ai giovinastri.
Tra i primi 10 solo una debuttante, ma di tutto rispetto: la splendida Janelle Monáe.
E' stato un anno di grandi delusioni: Stevens insulso, prova a "sperimentare" perdendo però la capacità di scrivere le canzoni, Hinson completamente piatto, Baustelle inutilmente battiateggianti, Liars assolutamente inoffensivi.
Ho ancora parecchio da ascoltare e/o approfondire quindi la classifica 2010 subirà inevitabilmente delle variazioni nel corso del 2011. In particolare non ho ancora sentito l'ultimo The Books, disco dell'anno per Blow Up, e il ritorno dei cari vecchi Swans che promettono molto bene.

I primi 10

1 Neil Young - Le Noise

2 Laurie Anderson - Homeland

3 The National - High Violet

4 Shearwater - The Golden Archipelago

5 Arcade Fire - The Suburbs

6 John Grant - Queen of Denmark

7 Janelle Monáe - The ArchAndroid

8 Ariel Pink's Haunted Graffiti - Before Today

9 Midlake - The Courage of Others

10 Gil Scott-Heron - I'm New Here

Altri 10

11 Woven Hand - The Threshingfloor

12 Damien Jurado - Saint Bartlett

13 Michael Trent - The Winner

14 Killing Joke - Absolute Dissent

15 Robert Plant - Band of Joy

16 Black Tambourine - Black Tambourine

17 bvdub - The Art of Dying Alone

18 Lone Wolf - The Devil & I

19 Owen Pallett - Heartland

20 John Mellencamp - No Better Than This

Delusioni 2010

Micah P. Hinson - Micah P. Hinson & The Pioneer Saboteurs

Liars - Sisterworld

Sufjan Stevens - The Age of Adz

Baustelle - I mistici dell'Occidente

Ancora da recuperare o da ascoltare con maggiore attenzione

The Books - The Way Out

Swans - My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky

Bachi Da Pietra - Quarzo

Erykah Badu - New Amerykah Part Two: Return of the Ankh

Beach House - Teen Dream

Johnny Cash - American VI: Ain't No Grave

Gonjasufi - A Sufi and a Killer

Heraclite - Heraclite

Hoodoo Gurus - Purity of Essence

Nevermore - The Obsidian Conspiracy

Pontiak - Living

Stan Ridgway - Neon Mirage

Sightings - City of Straw

Sleepy Sun - Fever

The Soft Moon - The Soft Moon

St. Ride - Cercando Niente

The Tallest Man on Earth - The Wild Hunt

Andrea Tich - Siamo nati vegetali

Tunng - ...And Then We Saw Land

Voice of the Seven Thunders - Voice of the Seven Thunders

Yellow Swans - Going Places

Il meglio del 2010 secondo Sdruz

2011-01-08T09:32:00.000-08:00

Gayngs - Relayted
Quentin Harris - Sacrifice (qui)
Fabri Fibra - Controcultura (qui)
Janelle Monàe - Archandroid (qui)
John Grant - Queen Of Denmark
Ariel Pink's Haunted Graffiti - Before Today
Jagga Jazzist - One Armed Bandit (qui)
Mimicking Birds - s/t
Hot Rats - Turn Ons (qui)
Death In June - Peaceful Snow (qui)

Altri:

Testbild! - Aquatint
Quadron - Quadron
Lloyd Miller and Heliocentrics - Lloyd Miller and Heliocentrics
Gil Scott Heron - I'm New Here
Year Long Disaster - Black Magic; All Mysteries Revealed (qui)
Shearwater - The Golden Archipelago (qui)
VA - The Minimal Wave Tapes Vol 1
Agnes Obel - Philharmonics

Mick Karn, 1958 - 2011

2011-01-05T03:37:00.000-08:00

Prima morte illustre dell'anno...

Indaginissima

2011-01-05T02:07:00.001-08:00

di Austino Attizzo

Introduzione
L’Osservatorio Socio-Musicale dell'Associazione Nazionale Associazioni Musicali della Regione Veneto, ha avviato un’Indagine da svolgersi due volte l’anno, atta a conoscere quali siano le valutazioni espresse – a consuntivo - da un campione molto ampio di membri delle associazioni aderenti nei confronti di un insieme di fonti informative in campo musicale (riviste, portali, stazioni radiofoniche, ecc.). L’obiettivo è monitorare gli andamenti dei gusti, sostenendone i processi di crescita e di sviluppo.
Il questionario, predisposto con la consulenza di esperti, è stato progettato allo scopo di conoscere più le tendenze che i dati quantitativi, in modo da disporre per tutti i membri informazioni tempestive, con limitato dispendio di tempo ed energie da parte dei rispondenti.
La numerosità campionaria prevista è di 300 lettori di riviste musicali online, stratificati per le tre riviste considerate (ondarock, sentireascoltare, storia della musica), e per l’essere o non essere lettori abituali di quanto pubblicato da Piero Scaruffi nel suo portale personale. L’obiettivo è stabilire se le variabili di stratificazione qui considerate hanno un’influenza statisticamente significativa sulle modalità di acquisto di cd musicali. In questo caso, è stato chiesto agli intervistati qual è il numero di album acquistati negli ultimi 3 anni.

Per saperne di più visita http://sanjuro.blogspot.com/2011/01/indagine-sui-lettori-di-riviste.html

Austino Attizzo, scaglia un attacco frontale a Brian Eno

2010-12-22T09:33:00.001-08:00

Guardare per credere: http://sanjuro.blogspot.com/2010/12/brian-eno-metarecensisce-se-medesimo.html

Don Van Vliet/Captain Beefheart - 15/01/1941 – 17/12/2010

2010-12-18T02:26:00.001-08:00

Ciao Capitano!

Death In June - Peaceful Snow

2010-12-18T01:12:00.000-08:00

L'operazione ogni volta compiuta da Douglas Pearce è sublime. Comporre canzoni fortemente melodiche cercando di celare fino all'ultimo l'essenza della melodia stessa. Per un certo verso intraprende un percorso inverso rispetto a molte delle esperienze musicali: cerca di distrarre l'attenzione dal corpo delle proprie canzoni accentuando la monotonicità del canto, con l'obiettivo, in questo modo, di raggiungere solo dopo molto la sensibilità dell'ascoltatore. E' quasi come desiderasse dai propri interlocutori uno sforzo partecipativo, un coinvolgimento cosciente, alle volte talmente violento da far rivoltare lo stomaco. Il suo canto (solo apparentemente) piatto, gli arrangiamenti limitati ad uno, al massimo due, strumenti, la ripetizione ossessiva dei motivi possono sembrare, messi assieme, ingredienti pericolosissimi da gestire. Ed invece Douglas P. - questo vecchio mentecatto che si diverte a dare di sé un'immagine tanto ambigua quanto in contrasto con la profondità artistica delle sue composizioni - li controlla alla perfezione riuscendo a trarne il miglior risultato possibile.
"Peaceful Snow" non è altro che la rivisitazione pianistica di alcuni dei brani più celebri dei Death In June, realizzata grazie al congegnale accompagnamento del pianista polacco Miro Snejdr. Di suo, questa raccolta non aggiunge niente all'intera opera del gruppo, e quindi occorre liberarsi di ogni pregiudizio da preascolto per poterla valutare con giudizio. Snejdr, in realtà, riesce infatti a fare quello che molti altri pianisti votati al rock o anche all'avanguardia non riescono a fare. Traduce cioè le caratteristiche troppo peculiarmente classiche dello strumento in qualcosa che si avvicina molto di più all'elettronica. Per capire, ascoltate ad esempio "A Nausea": le scale si avviluppano in vortici battenti, si alzano e si abbassano con precisione quasi digitale trasmettendo così una sensazione di stordimento da dancefloor. In altri, il piano serve da contrappunto alle sentenze di Douglas P., riuscendo a stabilire col canto un rapporto sintetico che la chitarra, così spesso utilizzata fino adesso, non poteva fare tanto efficacemente.
Nella sostanza, la sensazione finale è quella di trovarsi davanti ad una versione lugubre di Leonard Cohen (somiglianza spesso citata quando si parla dei DIJ), con in più una visione attenta all'avanguardia musicale. Un approccio, questo, che agli ascoltatori più sensibili consente di apprezzare un certo gusto mitteleuropeo per la sostanza della musica e per il ribrezzo verso fronzoli e immediatezza: mali, quest'ultimi, assoluti dell'arte contemporanea e votata al mercato.

Superchunk - Majesty Shredding

2010-12-07T15:10:00.000-08:00

Questo disco è un calice alzato in onore dell'adolescenza. E' il miglior disco di rock "alternativo" degli anni '90 uscito con almeno 15 anni di ritardo. E per rock alternativo intendo quella cosa fatta con le chitarre con il distorsore a palla, il basso ripetitivo in secondo piano a "riempire" tutto il riempibile, la batteria elementare e picchiata forte. Intendo melodie (power) pop non abbastanza sputtanate per il mainstream e troppo poco "deviate" per piacere agli ambienti dell'underground. Immaginatelo così: condensate Husker Du (togliendone la capacità di scrittura), Dinosaur Jr (togliendone il malessere esistenziale e la potenza), Pixies (togliendone la genialità), Sonic Youth (limitandoci a cose poppeggianti quali Teen Age Riot o Catholic Block), Nirvana (per non fare torti, diciamo per la batteria), Smashing Pumpkins (beh, qui vedrete voi cosa togliere o cosa lasciare, facciamo che lasciamo una donna al basso); mescolate il tutto con l'attitudine "working class" che tanta fortuna ha portato ai Creedence. Aggiungete una vocina stridula che risulterebbe odiosa in qualsiasi altro contesto. E il fatto che solo un disco americano può suonare così, può essere prodotto così e non è ridicolo se in scaletta ha un pezzo come "Winter games".
Ma allora, dove sta il senso dell'esistenza di siffatta opera? Sta nel fatto che ci vuole coraggio a essere dei passatisti che sanno arrivare così vicino al cuore; sta nello straniamento del sentir suonare dei 40enni come adolescenti col senno di poi, felici di poter essere finalmente così inattuali da riassumere in 11 canzoni, invero tutte abbastanza simili, una stagione musicale irripetibile. C'è chi lo troverà totalmente inutile, a me piace immaginarlo come una finestra su un tempo perduto. A mano a mano che scorrono le varie "Digging for something" o "Crossed wires" fa capolino l'idea che, qualitativamente parlando, forse i Superchunk sono alcune spanne più in su di quello che i Foo Fighters hanno solo immaginato di raggiungere. Peccato che il conto in banca dimostri che la paraculaggine paga, oh se paga. Ma tutte queste motivazioni nulla valgono, di fronte all'emozione che mi ha asslaito quando questo disco mi ha sussurrato all'orecchio uno di quei "what if" di marvelliana memoria, in cui il bassista, pur se innegabilmente fallito, per qualche tempo ha suonato, sempre in secondo piano e defilato, ma felice, con l'unica band in grado di produrre la colonna sonora perfetta dei suoi 18 anni.

Townes Van Zandt: un amore senza fine

2010-12-03T06:30:00.000-08:00

è bello sapere che non siamo in pochi a pensare che Townes era toccato dalla mano di Dio.

Justin Townes Earle - Harlem River Blues

2010-11-30T13:59:00.000-08:00

In poche parole, ci sono 2 modi per accostarsi a questo disco. Da una parte nel modo insofferente di chi considera una pedal steel un cimelio del passato e la cosiddetta Americana un genere per nostaglici falliti. In alternativa si può notare la maturità del talento dello Earle più giovane, la voce calda e profonda, gli arrangiamenti ben costruiti e, soprattutto, almeno 3 pezzi da urlo (la title-track, "Workin for MTA" e la conclusiva Rogers Park). Non che io sia un appassionato del genere e men che meno posso dire di conoscerne tutte le infinite derivazioni. E' solo che in queste canzoni (ri)sento, aggiornate all'A.D. 2010, molte delle cose che mi avevano fatto amare l'Alt Country di giovani depravati tipo Uncle Tupelo. Ma senza chitarre distorte e voce grattuggiante per i troppi eccessi. Ma, tolti questi "tratti distintivi", cosa resta? Rimane il tentativo di rinnovare una tradizione di ribelli senza causa che non necessariamente devono ferire le orecchie dell'ascoltatore. Rimane la capacità di (ri)scrittura di melodie forse già sentite ma mai così scintillanti e sincere. Rimane, e qui la copertina ci sta tutta, l'idea di una musica che è metafora del bagno nel fiume per purificare le colpe dei padri e quelle dei figli. E gli Earle ne sanno sicuramente qualcosa.

Opera e disonestà intellettuale spiccia del Re Censore

2010-11-26T08:35:00.000-08:00

I requisiti per scrivere una buona recensione musicale
di Austino Attizzo

Una recensione musicale la si scrive prima di tutto senza necessariamente avere ascoltato bene il disco che si desidera recensire. A dire il vero non è necessario neppure averlo ascoltato tutto. Ma ancora più importante è tenere bene a mente che non è necessario essere esperti di musica, in quanto non sempre chi scrive belle recensioni ha ascoltato un numero statisticamente significativo di dischi. Ma ancora di meno è necessario che il recensore detenga il sacro lanternino del buon gusto. Cioè, non intendo dire che chiunque desideri scrivere una recensione lo possa fare. Questo no. Infatti, per farlo occorre avere pur sempre alcuni requisiti. Imprescindibili, indiscutibili, indispensabili, irrinunciabili requisiti che testimoniano la capacità di suscitare il giusto grado di coinvolgimento durante la lettura della recensione...

Continua qui.

Questa dovevo pubblicarla...

2010-11-20T15:35:00.000-08:00

Adoro Kid606 e Steve Albini... quindi

Ci siamo...

2010-11-12T12:15:00.000-08:00

Stanno per arrivare!

Ari Up Rip

2010-11-11T12:10:00.000-08:00

Lei, la musa/cantante del gruppo femminile più fico di tutti i tempi - le Slits -, ci ha lasciati.

Un bacio

Neil Young – Le Noise

2010-11-06T08:47:00.000-07:00

Quando un artista diventa un’istituzione, una leggenda vivente, generalmente ci si aspetta che si ritiri nel suo personale Olimpo o che magari continui a pubblicare lavori dignitosi ma sostanzialmente innocui per la gioia dei suoi accoliti. Dylan, dopo la sua età dell’oro, ha pubblicato più o meno un capolavoro per decennio (a proposito: mi sono perso quello degli anni 00) e tanti altri dischi altalenanti. La produzione di Neil Young negli ultimi anni (grossomodo da Broken Arrow in poi) non ha certo brillato. Dischi dignitosi, per carità, ma sembrava che ormai Young si volesse godere una meritata pensione strimpellando canzoni piacevoli ma poco impegnative da tutti i punti di vista. Finalmente pacificato, liberatosi dai vari demoni che hanno infestato i suoi anni artisticamente più intensi, si godeva il suo ruolo di padrino dell’alt-rock americano. Poi all’improvviso, come uno schiaffo in pieno viso, come una secchiata di acqua gelata, arriva Le Noise.

Il fatto che sia prodotto dal leggendario Daniel Lanois, in passato alle prese con gente del calibro di Dylan (Oh Mercy), U2, Peter Gabriel e Brian Eno, tanto per citarne qualcuno, potrebbe far pensare che si tratti di un lavoro dal suono “classico”, raffinato, magari pure un po’ “patinato”. Nulla di più distante dalla verità. Le Noise è un disco aspro, graffiante, che riprende le atmosfere brumose di Dead Man ma in forma canzone e che ti prende alla gola fin dalle prime note e non lascia scampo per tutti i 40 minuti scarsi della sua durata. 37 minuti e poco più. Non c’è un minuto di troppo, una nota in più, non ci sono riempitivi. Quello che Young deve dire lo dice, non ha bisogno di tanti giri di parole lui. Le Noise è uno sfogo a tratti amaro, a tratti riflessivo, a tratti entrambe le cose, come quando si guarda indietro e prova a fare un bilancio del suo passato, disincantato e mai nostalgico, nella autobiografica The Hitchhiker (la droga, la paranoia, la depressione). Ma quello che colpisce di più è il suono, il rumore di Le Noise. Fin dal primo distorto accordo che apre le danze: un colpo di fuzz gracchiante e cattivo. E poi quella voce altrettanto sgraziata e cinica ed evocativa. Walk with me è un invito, quasi una preghiera. Ma il tono è acre, quasi incazzato. Poi rumori, la voce che va e viene tra echi e feedback. Segue lo stesso sentiero la successiva Sign of Love: voce e chitarra distorta e una coda quasi psichedelica. Se fosse unplugged potrebbe essere una ballata molto dolce (When we go for a little walk, Out on the land, When we're just walkin' and holdin' hands...), ma ancora una volta interpretata con passione e dolore: il dolore di chi apprezza la pace perché ricorda bene la guerra. E a proposito di guerra, Love and War, una pausa acustica, è un momento di amaro raccoglimento, una riflessione sulla guerra e soprattutto sugli effetti della guerra su chi aspetta qualcuno che non tornerà (Daddy won’t come home again...). Angry World riprende la strada maestra: una splendida melodia nascosta in una selva di fuzz, un testo ancora una volta agrodolce che racconta del comune destino di fronte alla durezza della vita (It’s an angry world for the businessman and the fisherman...).

Come è accaduto per altri grandi capolavori “tardivi” di artisti ritenuti ormai non più all’apice della carriera (penso al Lou Reed dell’immenso “Magic and Loss” o al Dylan di “Blood on the Tracks”), “Le Noise” nasce dall’urgenza terapeutica di elaborare ed espellere un dolore profondo causato dalla perdita quasi contemporanea di due amici e compagni di strada (il chitarrista Ben Keith e il film maker Larry Johnson). Dolore, passione, rabbia, stanchezza sono tutti racchiusi nei 37 minuti di Le Noise.

"I lost some people I was travelling with me, I missed a soul in the old friendship".

Fabri Fibra - Controcultura

2010-10-16T10:58:00.001-07:00

Una delle cose indispensabili per essere veramente onesti, oggi giorno, è riuscire a mettersi in gioco, riuscire come si suol dire a "metterci la faccia".
Tutto il resto sono chiacchiere.
E a proposito di chiacchiere, penso ai rapper duri e puri a cui basta crearsi una spazio millimetrico nel mondo della musica per credersi dio, e se non sfondano tirano fuori l'alibi che a loro il mercato fa schifo, svilisce.
Li vedo, tutti a farsi grandi davanti alla loro micro platea di sostenitori composta dai soliti quattro sfigati del cazzo, godersi i loro due minuti di celebrità, ripetere alla velocità della luce quanto ce l'hanno grosso e che resistono tutta una notte pippando senza collassare.
Bravi.
Fibra è su un altro piano, però. Non solo ha capito che se vuoi lasciare il segno, occorre arrivare. Arrivare a tanti. Giovani e meno giovani, amanti del rap e non, sfigati e dritti, poveri e ricchi. Ma è stato il primo a rischiare davvero, mettendosi a nudo e dicendo: bene, questo sono io, con le mie malattie e le mie paranoie del cazzo... Provate a non riconoscervi anche se in un micro segmento della vs vita quando al telefono registrato di "Rivelazione" rivela
"Avevamo un appuntamento ma non ce la faccio. Non mi sento bene. Non riesco a stare in mezzo alla gente. Quando sto in mezzo alla gente mi prende male. Mi sento tipo osservato...", con la voce da post-pianto.
Poi va oltre, e trasforma la paranoia ed il dolore in rabbia alla stato puro. Puro magma ribollente. Elabora ciò che ci gira in testa tutto il giorno. La vacuità del successo, l'odio per i politici e la televisione, il servilismo strisciante. Tutti hanno dentro acredine e vogliono vedere spazzata via in un secondo tutta la merda che ha invaso il nostro paese. E allora accade che ascolti qualcuno che ti è vicino e che ti dice esattamente ciò che vorresti sentirti dire.
Ed è una sensazione fantastica.
A quel punto l'esse sibilante di Tarducci non conta: anzi risalta come una delle tante debolezze in cui ci riconosciamo tutti i giorni. Non importa se tecnicamente non è il rapper migliore del mondo: esiste un artista perfetto al mondo? Un burocrate della tecnica in grado di produrre flow devastanti, troppo veloci, prodotti da dio e allo stesso tempo con lo spessore della poesia vera?
In realtà ci sono molte altre cose che fanno di Fibra un grande: la capacità d'indovinare l'hit giusto ad ogni uscita (in Controcultura, oltre alla stranota "Vip in Trip", è bene segnalare "Tranne te" che non dubitiamo diventerà presto un must su tutte le piste da ballo d'Italia), la crescita delle sue produzioni che assorbono via via le influenze e le realtà con cui viene a contatto nel tempo (la collaborazione con i Crookers ha evidentemente dato i suoi frutti!!) e così anche la capacità di alimentare la propria rabbia/ambizione ad ogni attacco alla sua persona (i rapper che rosicano sui forum).
La verità è che Fabri Fibra sta nel tempo elevandosi sopra il mucchio di urla indignate, e presto non dubito verrà annoverato nel gruppo dei pochi degni della nostra povera nazione che ci vedono da lontano, dall'abisso dell'intollerabilmente insostenibile, per tornare ogni volta inatteso e farci di nuovo ballare.

Solomon Burke 21/03/1940 - 10/10/2010

2010-10-10T04:02:00.000-07:00

Addio al grandissimo, immenso Solomon Burke. Ci mancherà.

COBALT – GIN

2010-10-04T05:54:00.000-07:00

Alcuni (rari a dire il vero) album metal hanno 'qualcosa in più', qualcosa di sfuggente, una sintesi di mestiere, ispirazione e pura e genuina originalità, qualcosa che non ha molto a che fare con la tecnica musicale, qualcosa di indefinibile e impalpabile e in gran parte soggettivo. Non sto dicendo che questo valga solo per gli album Metal, ma in qualche modo la stereotipizzazione di suono ed estetica tipica di questo genere e che ho descritto nell’articolo precedente rende i (pochi) album Metal che si distinguono dalla massa particolarmente “speciali”. Gin è uno di questi album.
Si tratta di un lungo concept dedicato a Ernest Hemingway (il soldato ritratto in copertina) e Hunter S. Thompson, e già questo basterebbe a distinguerlo dai suoi “cugini” in ambito Black. Non troverete teste di caprone, pentacoli e croci rovesciate qui dentro, ma una veemente passione inquieta; non troverete il solito "rassicurante", conservatore e poco incisivo Black Metal che non impressiona ormai nemmeno le vecchiette del supermercato, ma troverete una grande varietà di influenze, di ritmi, un post-rock/metal potente immerso in fangosi 'drone'. Troverete degli spaventosi riff di chitarra neri e pastosi quanto lo furono quelli dei Neurosis di Through Silver in Blood, ma con una intensità più rauca e abrasiva e allo stesso modo grandiosa e potente. Tutti gli elementi citati sono in perfetto equilibrio tra loro, nulla suona forzato o eccessivamente "calcolato", sebbene qualcuno accusi i Cobalt di eccessiva freddezza. "Arsonry", per esempio, possiede una bellezza ruvida ed è palese a mio avviso la sincerità assoluta dello stato d'animo espresso in musica.
I Cobalt sono un duo, anche se durante le registrazioni Phil McSorely, sergente dell’esercito degli Stati Uniti, era in servizio a Baghdad quindi Erik Wunder, uno dei più grandi batteristi Metal (e non solo) oggi in circolazione, si è occupato di quasi tutta la parte strumentale. Nonostante questo, Phil è responsabile di tutte le parti vocali e dei testi dell’album. Il fatto che si tratti di una musica molto “progettata”, quasi sintetizzata nel laboratorio personale di Wunder non la rende meno “romantica”. Odio davvero usare la parola 'romantico' per descrivere un album metal, ma il mood oscuro ma costante di questo album crea veramente un senso di coinvolgimento e intensità inusuali. Lo definirei un controllato caos creativo, farcito da alcuni tra i più suggestivi e interessanti drumming sentiti di recente e da splendidi riff di chitarra. C'è la splendida title track, forse il pezzo più "Black", che apre l’album con una cupa chitarra blues acustica strisciante, fangosa, calda per poi esplodere in folate di riff potenti, grintosi. "Dry Body" è un rituale oscuro, un pezzo sciamanico e quasi ambient (come lo possono essere gli Earth di Hex) della durata di quasi nove minuti. Poi c’è la già citata "Arsonry", con il suo drumming furioso perso nella tempesta scatenata dalla chitarra, la splendida "Throat", uno dei riff più psichedelici del Metal tutto, la collerica “Stomach”, la strabiliante “A Clean, Well Lighted Place”, probabilmente l'apice del disco. Gin è un lavoro davvero originale ed intrigante, apocalittico, che offre molto a chi ha voglia di tuffarsi nel suo nero fango.

Mark Ronson feat. D'Angelo - Glass Mountain Trust

2010-09-27T10:54:00.000-07:00

D'Angelo sta per tornare...

Laurie Anderson - Homeland

2010-09-11T01:03:00.001-07:00

“Homeland”, il primo vero e proprio album di Laurie Anderson dopo quasi un decennio, era originariamente stato concepito come un "poema concerto" che l'artista ha portato in tour assieme al compagno Lou Reed, durante il 2008, negli ultimi mesi dell’era Bush. Lo spettacolo-denuncia della Anderson lancia uno sguardo pungente e intransigente all’America post-9/11, in cui “le libertà civili sono state schiacciate come insetti in nome della sicurezza, l'economia è diventata un gioco schifoso, sono state scatenate delle guerre sulla base di intuizioni poi non confermate e la politica estera è stata trattata dall'amministrazione Bush come il proverbiale figliastro dai capelli rossi”. Pare che si sia trattato di uno spettacolo ispirato, commovente e provocatorio, che ha lasciato il pubblico incuriosito o arrabbiato.

Due anni più tardi, Laurie Anderson pubblica “Homeland”, la colonna sonora, rimaneggiata, del suo tour. Si tratta del suo lavoro più orecchiabile e pop-friendly da Big Science del 1982, la sperimentazione in parte (e presumo momentaneamente) accantonata in favore di melodie dirette, di atmosfere sognanti che però raccontano di un’America straziata da “tortura, collasso economico, erosione della libertà personale, malasanità, religione, cinismo”. La musica di “Homeland” è come un ritratto appena abbozzato, una foto color seppia, alterna efficacemente suoni e silenzi, le note sono linee essenziali che permettono all'ascoltatore di costruire le melodie intrecciandone i fili. Le materie prime utilizzate da Laurie Anderson per il suo disegno sono, al solito, l’elettronica delicata, il suo violino meravigliosamente espressivo, la sua voce spesso filtrata e utilizzata come uno strumento. D'altronde la Anderson è quasi sempre riuscita a stare in bilico tra sperimentazione, denuncia politica e capacità comunicativa (la sua “O Superman” divenne una hit mondiale nei primi 80, pur non essendo propriamente una pop song), e con “Homeland” trova la formula perfetta.

Se il fulcro “politico” dell’opera è "Another Day In America", un racconto di 11 minuti che offre una caustica e analitica visione dell’America odierna, con Mr Prezzemolo Antony ad affiancare la Anderson, i veri capolavori, dal punto di vista musicale, a mio parere sono altri. La iniziale “Transitory Life”, una morbida tela dipinta dal violino espressivo come una voce umana e dalla voce elaborata che disegna cori dall’aria orientale che ricordano la Kate Bush più ispirata. La successiva “My Right Eye”, che provoca un senso di sospensione e attesa difficile da descrivere, un plateau che non si risolve perché il pezzo si chiude bruscamente proprio quando non te l’aspetti, come una doccia fredda. La apocalittica, straziante, “Dark Time in the Revolution”.

Laurie Anderson si fa accompagnare in questo viaggio da alcuni amici fidati. Il marito Lou Reed, oltre a co-produrre l’album assieme alla Anderson e a Roma Baran, presta il suo talento per un paio di tracce, tra cui la simil-dance “Only An Expert” (a mio avviso forse l’unico neo dell’album, almeno dal punto di vista musicale), con Reed alla chitarra e Kieran "Four Tet" Hebden alle tastiere. A loro, oltre al già citato Antony, ormai di casa nella famiglia Reed, si unisce un altro fuoriclasse, ovvero John Zorn, che tra l’altro sta accompagnando in tour Reed e la Anderson da due anni, e che presta il belato caustico del suo sassofono a brani come “Bodies In Motion” e “The Beginning of Memory ", sui cui splendidi tappeti sonori Laurie racconta di un tempo fantastico in cui il mondo era composta solo da aria e gli unici abitanti erano gli uccelli.

“Homeland” è un lavoro splendido, apprezzabile indipendentemente dalla posizione politica dell’ascoltatore. La sua delicata potenza, la sua capacità di penetrazione grazie alla perfezione delle melodie, la cura negli arrangiamenti, la passione dei testi, ne fanno uno dei più avvincenti e commoventi documenti in chiave pop sull’America post-9 /11.

Un’apologia del Metal

2010-09-09T02:52:00.001-07:00

Il genere Metal e le sue infinite coniugazioni sarebbero un interessante oggetto di studio per sociologi e musicologi. Si tratta del genere allo stesso tempo tra i più conservatori (forse superato in questo solo dall’Hardcore più estremo) e i più innovati/innovativi oggi in circolazione. E’ innanzitutto un genere musicale che ancora riesce a collegarsi a forme di aggregazione identitaria e a codici comportamentali ed estetici che credevamo estinti con la fine del ventesimo secolo. L’antropologo metallaro Sam Dunn, nel suo documentario Metal - A Headbanger's Journey, dichiara che “se sei stato metallaro rimani sempre metallaro”.

L’affermazione non è priva della retorica che contraddistingue qualsiasi dichiarazione degli aficionados del genere, ma non è lontanissima dalla verità. Con la sola (solita) eccezione del movimento Hardcore, che con il metal estremo ha molti punti di contatto sia estetici che sonori, mi riesce difficile pensare ad un genere che sappia smuovere i sentimenti di appartenenza al gruppo di riferimento e di rifiuto per l’”outgroup” altrettanto efficacemente. Certo, il Metal gioca su un terreno da sempre di grande fascinazione per l’adolescente (IL target per le etichette discografiche dagli anni ’50 in poi): il binomio “desiderio di affiliazione/desiderio di distinzione”, il richiamo dell’”oscurità” e sentimenti di depresso rifiuto dello status quo, ecc. Lo stesso però si può dire di altri generi musicali, dal Dark/Gothic dei primi ’80 agli odierni Emo (qui l’influenza però è inversa, parte dall’aspetto estetico per poi eventualmente riflettersi in altri campi, ma questa è un’altra storia…) che non hanno avuto e non avranno la stessa capacità di aggregazione trans generazionale e soprattutto la stessa durata temporale. Spesso si sente dire che “il Metal è una missione” o “una religione”. Non è così naturalmente, molti di noi sono transitati attraverso il Metal per poi aprire i propri orizzonti musicali a ben altre sonorità, ma il vago senso di fratellanza tra (ex) metallari rimane.

Dicevo che si tratta del genere più conservatore ed innovativo allo stesso tempo. Un concetto spesso citato dai “kids” è quello di “purezza” dell’Heavy Metal. Questo concetto naturalmente si collega all’idea di adesione completa e acritica a determinati standard sonori (e, ancora una volta, etici/estetici) immutabili.

Eppure il Metal è il genere musicale che più di ogni altro ha dato vita ad una quantità quasi infinita di sotto-generi. Il sito www.rateyourmusic.com indica ben 22 sotto-generi del Metal (Black, Death, Doom, Gothic, Grindcore, Heavy, Industrial, Power , Progressive, Sludge, Speed, Thrash…), ognuno dei quali a sua volta si suddivide in svariate sotto-categorie (il Death Metal, per esempio, si suddivide in Brutal Death Metal, Deathgrind, Melodic Death Metal, Technical Death Metal, ecc). Dove è andato a finire allora il concetto di “purezza”? Questo apparente paradosso può forse essere spiegato con il fenomeno della “polarizzazione”. Stoner (per coincidenza il nome di uno dei sotto-generi del Metal…), negli anni sessanta, provò che i gruppi tendono a spostarsi verso posizioni estreme nella direzione verso cui, in media, i singoli sono già orientati (polarizzazione di gruppo). La polarizzazione, in pratica, è il rafforzamento di una posizione che era già dominante nel gruppo. Questo fenomeno caratterizza in particolare i gruppi sociali “minoritari”, la cui posizione di inferiorità numerica (vera o presunta) porta i loro membri a rafforzare il proprio senso di identità esasperando l’adesione ai valori che contraddistinguono tali gruppi (pensiamo all’estremismo politico-religioso, per esempio). In soldoni, applicando il concetto all’ambito musicale, se il Metal si distingue dagli altri generi musicali per la “durezza” e la “pesantezza” delle sonorità, più “dura” e “pesante”suona una band, più sarà Metal.

Qualcosa di simile, a quanto racconta Michael Azerrad nel suo bellissimo Our Band Could Be Your Life: Scenes from the American Indie Underground, 1981-1991, avviene per il movimento Hardcore. Si tratta di una scena musicale e culturale che, come saprete, raccoglie il testimone del punk di fine settanta ed è fortemente caratterizzata da un senso di antagonismo verso l’establishment, senso di antagonismo che si traduce, dal punto di vista sonoro, in una velocità estrema dei pezzi (spesso anche inferiori al minuto di durata) e una forte aggressività, dal punto di vista etico in un’esaltazione della cultura del “do it yourself” e dal punto di vista estetico in un rifiuto per la moda fighetta imperante negli 80 e quindi: capelli rasati, jeans strappati, anfibi stra-usati ecc. L’estremizzazione della velocità in nome dell’adesione a questi stilemi e il fastidioso continuo riferimento ad una presunta “purezza” da difendere, lo scontro fisico continuo durante i concerti, l’espulsione, spesso violenta e fascistoide, di chiunque non aderisse ai canoni estetici imposti, portarono molti musicisti (tra cui i “padri” del genere Black Flag e soprattutto Ian McKaye che con i suoi Minor Threat aveva contribuito a fondare il movimento) a intraprendere altre strade spesso ponendosi in aperto antagonismo e sfidando le regole di chi diceva di voler “combattere il sistema” (i Black Flag verso l’ultimo periodo rallentarono di proposito le loro canzoni e si fecero crescere i capelli lunghi, per l’orrore dei loro fans). Questo di fatto decretò la fine della scena che da lì in poi non sarà in grado di proporre novità di rilievo e avrà come conseguenza l’impantanarsi del genere in una sempre maggiore autoreferenzialità elitaria.

Le premesse per una fine precoce c’erano tutte anche per quanto riguarda il Metal, soprattutto per le sue incarnazioni più estreme. Eppure, nonostante la riproposizione ossessiva di triti cliché estetico culturali continui in molti casi e la poca originalità degli aspetti musicali sia spesso caratteristica dominante della stragrande maggioranza delle band Metal, da questo vivaio stanno uscendo negli ultimi anni delle realtà che definire “sperimentali” è forse un’esagerazione, ma che certo contribuiscono a rinnovarne il suono pur non dando l’impressione di un “tradimento dei valori”, proprio perché paradossalmente queste band modificano il suono estremizzandone alcune caratteristiche fondamentali. E allora se con Sunn O))), Boris, Jesu, con il loro oscuro minimalismo portano alle estreme conseguenze il discorso intrapreso in precedenza da Melvins e Earth incorporando la filosofia Black, dilatando e scomponendo il suono e creando il Drone Doom Metal, gli Ulver, che nascono come band Black Metal “pura”, si spostano sempre più verso il Dark Ambient e ciò che da qualcuno è stato definito, con un termine secondo me infelice, Avant-Garde Metal, se i Bohren & der Club of Gore si muovono su terreni Dark/Jazz, trovando la quadratura del cerchio e unendo idealmente generi musicali diametralmente opposti, i Supersilent si danno all’improv-free. Si tratta di un’operazione diversa rispetto a quel freddo calcolo stilistico/commerciale che nei 90 aveva dato vita al cosiddetto Crossover, mescolanza (a mio parere mal riuscita) di rap e metal che sfocerà in seguito nel fastidioso Nu Metal di Limp Bizkit e Slipknot. Penso invece che ci troviamo oggi ancora una volta di fronte al fenomeno, probabilmente inconsapevole, della polarizzazione ideologica prima che sonora, fenomeno che ha permesso al Metal di sopravvivere negli anni, sempre diverso e sempre uguale a se stesso.

Quentin Harris - Sacrifice

2010-09-04T03:48:00.000-07:00

Quentin Harris è un tipo insolito. E' forse una delle più luminose promesse della musica Dance: un genere che già per sua natura costringe i suoi compositori a limitare ogni forma di pretesa artistica a causa della sua struttura musicale poco malleabile, divenuta negli anni appannaggio dei produttori interessati solo ai soldi. La Dance è fatta per lo più da un battito caratteristico che non varia lungo tutto il brano, e di una melodia interamente interpretata da un cantato soul commerciale il cui ritornello s'incastra senza sbavature lì dove la programmazione della drum machine lo dice.
Niente spazi per voli pindarici, sperimentazioni o contaminazioni rivoluzionarie.
Ciò nonostante Harris sembra volerci dire che è possibile fare arte anche con un mezzo così poco espressivo come la Dance. Anzi, sembra che quello di diventare un artista sia per Harris una vera e propria missione.
E per produrre vera arte cosa occorre più di tutto?
Cosa occorre per arrivare a produrre un'opera che trascenda per qualità ogni classificazione giungendo così a piacere anche ai non amanti del genere?

Il Sacrificio.

Eh già, signori. Il Sacrificio è ciò che occorre ad Harris - così come a tutti gli aspiranti artisti del pianeta - per ottenere un'opera veramente degna di questo nome.
Ed Harris attraverso il Sacrificio - che gli è costato sudore, rinunce e scelte musicalmente dolorose - è arrivato a confezionare un album che oserei considerare perfetto nella sua conclusiva missione di raggiungere le più alte vette espressive.
In realtà, è molto difficile dire perché "Sacrifice" sia un album non solo bellissimo ma soprattutto importante. Non ci sono possibilità d'individuare in esso elementi circoscrivibili utili a descrivere il perché questo disco assuma un'importanza artistica tanto immensa. Si tratta di un disco Dance, e basta, e questo è quanto di più spiazzante. Gli ingredienti base del genere (vedi sopra) ci sono tutti, ed in alcuni casi pare addirittura che la musica ricalchi nella sua essenza melodica brani già vissuti nostro malgrado (Quante volte vi è capitato di venire superati in auto da un truzzo dai cui finestrini abbassati provenivano megahertz di stupida musica commerciale alla Haddaway?).
Stupisce quindi che il gioco funzioni. La sensazione straniante di stare ascoltando della musica che avete sempre detestato trovandola bellissima è dominante.
Vero anche che la produzione è magnifica. Gli archi di "Give It 2 U" sembrano provenire dalla stanza accanto. Un mucchio sotterraneo di vibrazioni accompagna ogni brano arricchendolo di una bellezza non immediatamente percepibile. In "Don't U Worry" qualcosa di simile alla musica del tropicalismo emerge discreta, quale materia modellata sempre con gusto e discrezione assoluti.

Diciamo subito che si tratta di un'opera fondamentale confrontabile per qualità forse solo a quella di Janelle Monàe, se parliamo di album prodotti quest'anno.
Un album imperdibile per ogni amante delle cose belle.
Un album al di là di ogni pregiudizio.
Un album che non poteva non essere prodotto da una persona con in mente ben chiaro l'obiettivo da perseguire.

Mark Stewart & the Maffia - Learning to cope with cowardice

2010-08-28T15:33:00.000-07:00

Questo disco è, definitivamente, il suono della rivoluzione. Con un paio di piccoli appunti:
a) la rivoluzione si fa in molti. Questo NON è un disco per molti.
b) la rivoluzione abbisogna di inni, melodie cantabili, riconoscibili. Qui dentro ogni cosa è frammentata, destrutturata, difficile. E' un disco di musica da ballo per l'era post-atomica, dove ogni ritmo funk costruito per far sculettare la gente viene interrotto, rovesciato, sporcato da rumori, scratch, effetti di ogni tipo, immersi in un magma dub a tratti quasi soffocante.

E' una esperienza nuova ad ogni ascolto. Con mille sfaccettature, sempre diverse. L'esempio più calzante è forse l'immagine di una miriade di schegge diverse, disuguali, appuntite e brillanti che penetrano nelle carni e feriscono ogni volta in un modo diverso. Le canzoni sono inafferrabili, ogni ritornello da orecchiabile diventa ossessivo. Su tutto si staglia LA VOCE. Mark Stewart, un impeto monolitico e terribile, la coscienza che urla e ammette allo stesso tempo infinita forza e abissale impotenza.

Questo disco è definitivamente un'epifania. E' l'urlo dell'uomo che non si vuole arrendere all'omologazione, che sa di non essere solo (sono in molti ad avere "High ideals and crazy dreams"), ma si scopre di volta in volta diverso, di fronte a quello specchio del bagno che secondo Bob Mould era il primo passo per la rivoluzione (eccola, ritorna).

A voler dire delle canzoni si potrebbero descrivere come dei funk felicemnte imparentati col primo hip hop e con la musica afroamericana (si era in epoca Grandmaster Flash e Afrika Bambaataa e qui dentro ci suona tutta la Sugarhill Gang), trattati chimicamente con un'accozzaglia di rumori in bilico tra distorsioni acide e dub.
O, in alternativa, si potrebbe parlare del suono perfetto per immaginare un mondo diverso, si potrebbe annotare che ogni accordo di chitarra o ogni fraseggio del basso edificano una Babele di sensazioni, di volontà e di intenti.
Le manipolazioni di Adrian Sherwood (all'epoca misconosciuto agitatore dalle stanze della sua neonata On-U Sound) insegnano la via a "quelli di Bristol" che verranno quasi 10 anni dopo (e anche ai nostri "Almamegretta"... ve lo ricordate il capolavoro "Sanacore"?).
Dovendo scegliere un pezzo, vale la pena ricordare l'anthemica "Jerusalem", costruita attorno ad alcuni versi di una poesia di William Blake e che in tempo di guerra divenne una sorta di secondo inno nazionale inglese. E' la dichairazione definitiva ("I will not cease from Mental Fight") della volontà di non arrendersi, di perseverare nella lotta, di non farsi sbranare dalle iene (o dalla Tatcher, che è più o meno la stessa cosa).
Ma il punto di non-ritorno è l'assoluta cacofonia di "The wrong name and the wrong number", inclusa nella stampa in cd: 12 minuti di assalto a qualsiasi struttura musicale presente passata o futura, come un "Twin infinitives" ante litteram macchiato ireparabilmente di dub.
E poi "il resto", la title-track che annuncia minacciosa l'apocalisse con poche note di basso (suonato da tale Doug Wimbish...), "Liberty City" con una tromba quasi jazzata ma inacidita e slabbrata dalle distorsioni e dal dub; e come scordare i cori femminili di "The paranoia of power" (che contrastano in maniera efficacissima con la voce di Stewart e il tono minaccioso del pezzo) o le trombe apocalittiche di "Don't you ever lay down your arms"?

In tutta onestà credo di aver sentito pochissimi dischi spingersi così in là, rimanendo in ambito rock.

Nota: per chi ancora non lo sapesse il Pop Group sarà a Bologna e Torino tra pochi giorni e c'è in cantiere anche un nuovo album. In generale non amo le reunion ma mi auguro che questa sia l'eccezione che conferma la regola (come lo è la "seconda vita" dei mai troppo lodati Mission of Burma o come lo sono state nel corso dei decenni le varie combinazioni dei Wire).

Bill Janovitz - Exile on main st.

2010-08-23T05:37:00.001-07:00

Sono sempre stato un po' diffidente a leggere un musicista che scrive di musica. E', difatti, oltremodo noto che una buona fetta dei kritici sono musici più o meno falliti. Parafrasando il Giolindo Ferretti degli anni '80, il mio timore è sempre stato che un musicista sia "più attento alla qualità dello strumento che all'anima di chi suona".
Ma, considerato il tam tam che s'è sentito in merito a questo scritto, ho azzardato ad acquisirlo e a portarmelo appresso come lettura vacanziera. Una scelta decisamente felice!
Per capire di che pasta è fatto l'autore, basti questo: Janovitz, oltre a scrivere (è anche redattore di allmusic.com), anzi, "prima" di scrivere, è il leader dei Buffalo Tom. Ebbene, nel testo non c'è una virgola, in nessun punto, in cui parli della sua band. Si evince che è un chitarrista, che ha suonato con altri eroi underground tipo Graham Parker, ma nulla più. E questo accresce la stima nei suoi confronti in modo a dir poco smisurato. Janovitz sembra un ragazzino entusiasta che ha la possiblità di parlare della fonte del suo amore per il rock, ma che lo fa con "cognizione di causa" (è evidente che oltre ad ascoltare il disco, ha passato ben più di qualche ora a provare a suonarlo).
Non è un'agiografia né un trattato sul ribellismo da straccioni arricchiti che tanto piace alle band famose e alla maggior parte dei loro fan. Non è un'ode ma, bensì, il tentativo di penetrare fra le note dei "Exile" e di capire come ha potuto suonare "così", indagando anche le condizioni ambientali in cui è nato. Non so se, come afferma l'autore, sia il più grande disco rock di sempre. Però a leggere queste 170 pagine sembra veramente di stare seduti tra gli Stones nell'atto di creare la loro opera definitiva. E scusate se è poco!
A ettura terminata, si ha la conferma che il rock, per essere grande, non deve per forza essere "nuovo" e che, almeno in questo genere, in fondo, nulla si crea e nulla si distrugge ma tutto torna, masticato e digerito, rimasticato e sputato, ma torna. Sempre. E decidere se questo sia un bene o un male, dipende solo dalla sensibilità di ciascuno.
Ah, per inciso: il testo scorre che è una meraviglia!

Neil Young - Live at Massey Hall 1971

2010-08-17T00:01:00.000-07:00

In fondo si tratta solo di ammettere che ci ricasco sempre. Non è che non stia tentando di ascoltare vagonate di dischi nuovi, ma al di là dei vari Yellow Swans, Beach House, Trans Am, Shearwater, Gil Scott Heron, Soil & "Pimp"... sono 6 mesi che non mi stacco da questa meraviglia. Vabbè, direte voi, si parla di Nello Giovane nei suoi anni più fecondi, i pezzi li abbiamo mandati a memoria da 30 anni, sai che originale una recensione...
Comunque sia, questo disco, uscito per la prima volta nel 2007 (e circolato per una vita in forma di bootleg) contiene un live solitario e totalmente acustico del nostro eroe nel 1971, con una scaletta a cavallo tra Buffalo Springfield, CSN&Y, le sue prime cose soliste e, soprattutto, una messe di pezzi fino a quel momento inediti che finiranno nei dischi successivi... ecco che, con "There's a world", "A Man Needs a Maid", "Heart of Gold" al piano sentiamo come avrebbe potuto suonare Harvest senza i pesanti (e un poco leccati) arrangiamenti che ben conosciamo. Più di tutto, è con una resa stratosferica di "Old man" che il nostro incide in modo pressoché definitivo il suo nome nell'Olimpo dei grandi: un vero e proprio invito a ripiegarsi su se stessi, avvolgersi attorno alla propria anima e lasciarsi andare al languore dei ricordi.
Degni di menzione anche "See the sky about to rain", nonché il classicone "I am a child", ma è in realtà tutto il disco a scorrere, ad ogni ascolto, così veloce da lasciare sempre la sensazione di non averne esplorato a sufficienza gli anfratti e a costringerti a suonarlo all'infinito.
E quando il sipario cala, dopo l'ennesimo ascolto, si insinuano da qualche parte alcuni pensieri, alcuni più sani, come l'indicibile malinconia per "non esserci stati" e altri assai più malevoli, come il dubbio che Young le cose migliori le avesse scritte (quasi) tutte in quegli anni, salvo poi ripescarle di volta in volta per farci i dischi, rimpinguandoli di robe assai meno degne. In fondo non ci cambia molto, saperlo o meno. Però è un motivo in più per sostenere che l'ora del pensionamento ci pare giunta da un pezzo!

Jan Hammer - The First Seven Days

2010-08-08T07:28:00.000-07:00

Jan Hammer è noto per aver militato nella migliore delle formazioni della Mahavishnu Orchestra e per essere diventato famoso, una decina d'anni dopo la dipartita dal gruppo di Mclaughlin, per avere inciso la colonna sonora dei primi episodi della celebre serie televisiva Miami Vice nonché della sigla di apertura della stessa.
Quasi nessuno però conosce Jan Hammer per ciò che ha fatto nel periodo intercorso tra i due episodi appena citati.
Diciamo subito che non ha fatto molto. Di una decina di dischi prodotti tra i primi anni settata e i primi anni ottanta solo due sono veramente degni di nota: "Oh, Yeah?", un disco dal forte carattere contrappuntistico dell'autore, che mira a recuperare il meglio della produzione jazz-sperimentale dei suoi esordi con la Mahavishnu, e poi "The First Seven Days", un disco ispirato dal resoconto biblico della creazione e i cui brani (sette come i giorni della settimana fondante) sono appunto intitolati ognuno alla maniera della sacra scrittura.
Il brano certamente più celebre del lotto è rappresentato dalla prima, fantastica "Darkness/Earth in Search of a Sun", pezzo più volte ripreso da molti "campionatori" dell'area Ninja Tunes così come, ad esempio, dall'esimio viennese Peter Kruder che lo ha voluto inserire nel suo Private Collection di marca G-Stoned, insieme ad altri brani quali ad esempio "The Rainbow" dei Talk Talk oppure "On the Chin" dei Tortoise.
La prima impressione che si ricava dall'ascolto di un tale brano - senza conoscerne l'origine - è certamente quella di un acquarello elettronico di stampo kraut (vedi Cluster, Faust, Popol Vuh e compagnia bella), per poi convincersi che c'è dell'altro di assai caratterizzante che ne allontana le coordinate.
Nella sostanza ci sono le tastiere della Mahavishnu, certamente, ma anche qualcos'altro che ha che fare con la spiritualità. Ovviamente la mia assoluta mancanza di fede religiosa non ha potuto in alcun modo influenzare l'ascolto di "Darkness" così come del resto di "The First Seven Days", quindi mi sento di affermare questa cosa (della spiritualità, intendo) come qualcosa di concreto in un senso oggettivo, senza cioè che il tema ispiratore influenzi il mio ascolto.
La spiritualità si deduce più da cose concrete. Dai violini che cercano d'imitare "suoni lontani", nella contemplazione che Hammer vuole assolutamente evocare nel suo incessante rincorrersi di battiti e ritmi sincopati, nelle volute delle armonie sintetiche che non possono certamente non toccare l'ascoltatore nel profondo.
Un disco come non ce ne sono molti, assolutamente non-incasellabile e certamente difficile da ascoltare. Ci si può sforzare di trovare dei punti di riferimento, ma quando si crede di averne trovati si viene immediatamente smentiti, per via di questo suo costante rimando a cose non esistenti, come se Hammer cercasse di esprimere in questa occasione una nuova forma d'arte.
Nella sostanza siamo difronte a 7 acquerelli d'autore, dipinti con un spirito sintetico, certo, ma suggerito anche da un'emozione calda proveniente direttamente dal cuore.

Janelle di nuovo...

2010-07-24T10:48:00.000-07:00

Perdonate l'ossessione che ho per Janelle Monáe. Ma semmai aveste ancora dubbi sulla potenza di questa artista provate a guardare questo video tratto da una sua esibizione al David Letterman Show.
Incredibile

Janelle Monàe - Archandroid

2010-07-17T05:13:00.000-07:00

E' nata una nuova stella. Non ci sono dubbi. Non si tratta infatti di un semplice auspicio personale basato su considerazioni estemporanee. Che sia nata una vera e propria stella lo dice persino tutto il battage pubblicitario montato ad arte dalla Bad Boy Entertaintment, l'etichetta fondata da Puff Daddy e sussidiaria della Warner Music.
Questo esordio è senza dubbio confrontabile con quello di Erykah Badu nonché di D'Angelo e di Missy Elliott. Non ho nominato questi tre album per puro caso. Ognuno di essi rappresenta per la musica black un momento importante, uno stile distinguibile ed un'occasione unica per influenzare migliaia d'artisti.
E così sarà per "Archandroid", opera ispirata a Metropolis di Fritz Lang, e collocabile in uno spazio musicale che sta esattamente al centro di una linea immaginaria che va da Prince ad Erykah Badu.
Chi si accosta allo "scricciolo" Janelle (osservatela all'opera nel video di Tightrope) è per lo più preparato ad ascoltare un disco di tradizionale new soul infarcito di preziosi ricami elettronici alla Timbaland. Questo è quanto potrebbe aspettarsi chi è ormai assuefatto da anni di black music sempre uguale e sempre ancorata ai soliti due metodi d'incisione super convenzionali e a scritture vecchie e strausate.
Ed invece.
Ed invece ci si trova davanti ad un'opera quasi doo-wop, che scava nel passato più remoto della musica nera per estrarne il livore primitivo dei ritmi e dei tamburi. Il ritmo si fa molto (mooooolto) più sostenuto. La velocità aumenta. I fiati tornano ad essere centrali così come tutti quanti i possibili strumenti a corda. Nonostante la produzione di notevolissima qualità si sente quasi odore di scantinati, di ritrovi clandestini in qualche baracca in legno sul delta del Mississipi. E al centro di tutto questo c'è Janelle, la cantante da messa. Lo strumento attraverso il quale il Dio nero della sofferenza canta il suo rancore contro il mondo dello sfruttamento.
L'elettronica, che ha fatto il successo degli artisti di colore negli ultimi vent'anni, è quasi bandita, così come tutta quella foga di sperimentazione che spesso ha appannato la reale vena compositiva di geni come - per l'appunto, la nostra eroina Erykah - come a dire che Janelle vuole fare da sé, non vuole ricorrere a trucchi ed inganni. Desidera solo dimostrare quanto brava sia a rovesciare il rovesciabile.
Questo è un album come ne escono al massimo 5 in un decennio. Uno di quei capolavori che marcano un confine, tra il prima ed il dopo, tra un tipo di musica ed un altro, tra chi ha guardato indietro per stabilire quale strada intraprendere e chi invece ha sempre guardato avanti per determinare una nuova via da seguire.

Questo è l'album del prima Janelle Monàe e del dopo Janelle Monàe.

BBE Mixtape Competition 2010 by Dj Blue

2010-07-14T01:20:00.000-07:00

Bbe Mixtape Competition 2010 by Dj Blue on Mixcloud

Dusty Springfield - Dusty in Memphis

2010-07-10T07:11:00.000-07:00

Dusty Springfield ha rappresentato per l'Inghilterra ciò che Mina ha rappresentato per l'Italia. E' comprensibile quindi che le generazioni nate dopo il 1970 abbiano obbligatoriamente ignorato un'artista tanto celebre tra i propri genitori. Ricordo di avere ascoltato troppe volte Mina e associato le sue canzoni al sulluchero di mio padre mentre l'ascoltava per riuscire a godere della sua musica. Mina per me è stata un po' come un trauma infantile, che prima di essere risolto ha bisogno di essere elaborato.
In ogni caso tornando alla signora Springfield ciò che possiamo dire è che il suo "Dusty in Memphis" è un disco bellissimo oltre ogni pregiudizio. Poetico, trascinante, commovente, suonato divinamente. Nessun dubbio a questo proposito.
Ovviamente tutti conosceranno la celebre "Son of a Preacher Man", resa nota a noi delle generazioni ex-a-venire dalla colonna sonora di Pulp Fiction. Ciò nondimeno sono altri i pezzi che fanno di questo disco una raccolta di brani che vanno oltre la semplice definizione melodica del genere. "Breakfast in Bed" è un esempio di perfetto bilanciamento tra le parti: se scambiassimo Dusty con Grace Slick (a prop., avete notato la somiglianza del timbro?) e i fiati con la chitarra di Jorma Kaukonen otterremo uno dei più bei singoli dei Jefferson Airplane. "Just One Smile" è la canzone che Scott Walker ha cercato di scrivere per una vita. In "In the Land of Make Believe", Dusty canta come un Nick Drake depredato della chitarra.
Beh, insomma sono innumerevoli i riferimenti sonori che rendono questo disco un oggetto apprezzabilissimo anche dai detrattori dei merletti e dei cantanti acclamati dall'improvvisata borghesia di metà novecento.
Preme aggiungere che anche questo, come pure accadde per i Rolling Stones, è un perfetto esempio di come nel passato noti musicisti inglesi abbiano dato alla luce opere tanto graziose per il solo fatto di essersi decisi di arrendersi alle influenze americane.
La nostra Dusty, nel caso specifico, ha giustamente deciso che doveva essere Memphis il posto in cui smutandarsi artisticamente e accettare di venire influenzata dal blues dei negri cattivi.

Brava Dusty!

American Analog Set - From Our Living Room to Yours

2010-07-08T06:21:00.000-07:00

Ogni tanto si ha l’impressione che gli American Analog Set, come fantasmi in una vecchia casa, vaghino senza scopo apparente mai sicuri di ciò che stanno cercando, che la loro presenza si faccia sentire in vari modi, ma che poi spariscano non appena si cerca di catturarne l’immagine. Le strutture su cui i loro pezzi sono costruiti sembrano spesso impalpabili, come l’acqua di un ruscello che scorre tra le dita. Come i grandi dello Slowcore (Low e Codeine su tutti), AAS riescono ad essere allo stesso tempo lenti e onirici senza essere noiosi. Si muovono da qualche parte lungo le linee del "post-rock" (nella accezione originale del termine), sporcandole di elettro-acustica sapientemente dosata e di dolce neo-psichedelia. La voce è spesso nulla più di un sussurro, come se provenisse dal fondo di un lungo corridoio, o da una porta socchiusa. From Our Living Room to Yours non è per tutti, anzi, io esiterei a raccomandarlo a chi non fosse disposto ad ascoltare un album intero dall’inizio alla fine, tutto in una volta, come si usava fare nell’epoca pre-file-sharing. Qui la somma è maggiore di sue parti e se avrete la pazienza di ascoltare pezzi lunghi dai 7 ai 10 minuti, dalle melodie in apparenza semplici e ripetitive ma che ti catturano come un mantra dorato, come sanno fare a volte Yo La Tengo, Galaxie 500 e Young Marble Giants, questo disco vi regalerà dei momenti preziosi. Un disco da ascoltare nelle calde notti d'estate, fissando le stelle sdraiati in mezzo ad un campo, nascosti al buio prima del sorgere del sole. Musica da sogno per sognatori.

Intimo Daft Punk

2010-06-25T13:06:00.000-07:00

Non avendo niente da fare m'informo se i DF sono in procinto di pubblicare il loro prossimo attesissimo album. Non trovando alcuna notizia, cazzeggio navigando tra le loro immagini... E guarda qua cosa scopro che indossa il ciccione dei 2 DF?!

The National – High Violet

2010-06-18T06:09:00.000-07:00

Quando il 4 novembre 2008 Barack Obama viene proclamato Presidente, a Chicago, la sua città, esplode la gioia liberatoria della folla che finalmente può lasciarsi alle spalle il periodo buio dell’era Bush. La celebrazione inizia sulle note di Fake empire di The National. Il falso impero descritto nel pezzo era facilmente assimilabile, in quel contesto, a quello costruito durante gli otto lunghi anni dell’amministrazione Bush e faceva pensare che i festeggiamenti fossero più per dire addio a ciò che ci si lasciava alle spalle che per dare il benvenuto al nuovo Presidente.

Canzone splendida quella Fake empire, eppure mi ha stupito la scelta del pezzo. Per quanto i ragazzi fossero dei grandi sostenitori di Obama, la musica di The National non è contraddistinta certo dalla caratteristica americanità muscolare di uno Springsteen. Anche quando acquistano una certa epicità, favorita dalla voce baritonale, a tratti quasi declamatoria di Matt Berninger, le loro canzoni hanno spesso un velo malinconico. The National si inseriscono, probabilmente senza volerlo, nel filone new new wave o post-post-punk che ci ammorba da qualche anno a questa parte, insomma Berninger è uno dei tanti figli illegittimi della coppia Morrissey-Curtis, senza imitarne (troppo) la teatralità mittel-europea di bowieana memoria. I Nostri si distinguono però dalla fighetteria plasticosa di Franz Ferdinand e Interpol, sarà che vengono dall’Ohio che non ha molto a che vedere con la fumosa Manchester di Smiths e Joy Division. E’ vero, sono ormai di casa a Brooklyn, il centro del mondo hipster da qualche anno a questa parte, vanno a braccetto con Dirty Projectors e Sufjan Stevens, ma loro al successo (relativo) ci sono arrivati dopo anni di gavetta, affrontando bufere interne ed esterne al gruppo con lo spirito di una famiglia. E una famiglia lo sono, più o meno, dato che la band è formata da due coppie di fratelli, Aaron e Bryce Dessner (i gemelli alle chitarre) e Scott e Bryan Devendorf (basso e batteria), oltre che dal già citato Berninger alla voce. In High Violet non troverete singoli killer come Fake empire, sebbene i pezzi che ti si attaccano ai neuroni non manchino (la splendida Runaway su tutti), ma il risultato complessivo è più organico, maturo e convincente rispetto al già splendido Boxer. La produzione di High Violet è meno sontuosa, per quanto curatissima, ci sono meno archi e meno chitarre in primo piano, e il fulcro di tutto è la sezione ritmica dei Devendorf. In particolare la batteria del bravo Bryan è perfetta, mai sopra le righe ma tremendamente espressiva nella ostinata marzialità di pezzi come England o Anyone’s Ghost e nella devastante Terrible Love che apre l’album, un’esplosione di rabbia compressa in un’atmosfera nero-petrolio. Conquista poco alla volta High Violet, gli manca l’immediatezza delle prove precedenti, ma proprio per questo, se avrete la pazienza di farlo crescere ascolto dopo ascolto, difficilmente potrà deludere.

Soil & "Pimp" Sessions - 6

2010-05-07T12:02:00.000-07:00

Chi l'avrebbe immaginato che alla fine sarebbero stati dei giapponesi a trovare la quadratura del cerchio?
Ebbene sì, il tanto esteticamente improbabile combo - provate ad osservarli nelle numerose foto disponibili su web per farvi un'idea del loro stile così tanto "asincrono" - è riuscito ad ATTUALIZZARE IL JAZZ.
Eh già.
Un genere dato ormai quasi per morto (perché - è inutile girarci tanto intorno - quando ormai passano trentanni senza che nessun musicista abbia aggiunto una virgola al conoscibile un genere lo si può legittimamente dare per spacciato) trova improvvisamente una spinta capace di farlo emergere dalle paludi della dimenticanza. Dall'estremo oriente spunta infatti un gruppuscolo di gentaglia dall'approccio al stesso tempo fortemente radicato nella tecnica ma che guarda anche all'easy listening, al punk, alla dance e a tutto un mischiotto di altri generi informi.
Attenti però! Non fatevi fuorviare da quanto appena detto. Ciò che ascolterete passando in rivista i brani di "6" è Jazz, assolutamente Jazz e niente altro. Niente finte accozzaglie dal genere faticosamente riconducibile alla radice. Qui stiamo parlando d'influenze che determinano fortemente la direzione delle melodie, ma niente di più.
Il risultato è tutt'altro che scontato. Quando ci si aspetterebbe qualcosa di troppo astratto per poter divertire, è lì che giunge la sorpresa. E' infatti lo spasso, la dimensione carnevalesca la reale sorpresa che emerge dall'ascolto del disco.
Puro fun al 100%

Provare per credere

Un bel 69

2010-04-27T02:36:00.000-07:00

Ecco la mia personale Top 20 relativa agli album pubblicati nel 1969. Così, tanto per dire...

1. The Rolling Stones - Let It Bleed
2. Led Zeppelin - Led Zeppelin II
3. The Stooges - The Stooges
4. Janis Joplin - I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama!
5. The Band - The Band
6. The Beatles - Abbey Road
7. Johnny Cash - At San Quentin
8. Nick Drake - Five Leaves Left
9. Neil Young - Everybody Knows This Is Nowhere
10. The Who - Tommy
11. Julie Driscoll, Brian Auger & the Trinity - Streetnoise
12. Joe Cocker - With a Little Help From My Friends
13. Jefferson Airplane – Volunteers
14. Fairport Convention - Liege & Lief
15. The Pentangle - Basket of Light
16. Alexander "Skip" Spence - Oar
17. Pharoah Sanders - Karma
18. Captain Beefheart - Trout Mask Replica
19. King Crimson - In the Court of the Crimson King
20. Led Zeppelin - Led Zeppelin

hope you guess my name...

2010-04-17T10:18:00.000-07:00

Credo di averlo già intravisto in giro comunque me lo hanno sottoposto giusto ieri... si tratta di beccare il maggior numero di riferimenti possibili a band all'interno dell'immagine. Alcune sono di una banalità estrema, altre... beh, a voi!

Io per ora ho individuato:
Led Zeppelin, Rolling Stones, Gorillaz, Black Flag, Guns 'n Roses, Scissors Sisters, Sex Pistols, Eagles, Whitesnake, B-52's, Alice In Chains, Beach Boys, Smashing Pumpkins, White Zombies, Pink Fairies, Cars, Television

Shearwater - The Golden Archipelago

2010-04-03T10:37:00.000-07:00

La bellezza di questo disco sta forse nella sua capacità di trascendere i generi. L'epicità che ne emerge appartiene più al mondo della musica etnica che al rock, ed in particolare a quelle musiche antiche appartenenti al nord dell'Europa. I brani possiedono quella qualità propria di certi dischi progressive anni 70 di portare l'ascoltatore su un altro livello, che prescinde dalla qualità della musica e che risiede nella capacità di evocare un mondo in cui è bello immergersi.
Rispetto al precedente loro disco gli Shearwater è come se si fossero arresi alla propria natura impellente di sciamani del nord. Hanno raccolto i loro bastoni magici e impasticciato con le sinfonie attorno ad un fulcro canoro prezioso.
Jonathan Meiburg in questo senso è un bardo tra i più ispirati di questo inizio secolo, e a riprova di questa sua affermazione tutta fuori dal tempo basti ascoltare "God Made Me", che fa pensare quasi ad un funerale di primavera sotto una pioggia intensa.
Con all'orizzonte un chiarore rosa che spunta tra le nubi nere.
Non si può non commuoversi difronte a tanta bellezza, a tanto fragore di voci e di anime perdute.

Beach House - Teen Dream

2010-03-28T23:13:00.000-07:00

A volte capita di tirare in ballo paragoni illustri per parlare di dischi. Fuori luogo? Beh, in fondo c'è stato chi recensiva (e bene) parlando dei fatti propri...
Eggià perché dopo una serie di ripetuti ascolti, questo ultimo lavoro dei Beach House, che sarà di certo presente nella mia playlist di fine anno, mi ha rimandato a una frase del (mai abbastanza) compianto Alex Langer, quando propose il motto "lentius, profundius, suavius" in antitesi al "citius, altius, fortius" di decoubertiniana memoria. E, se ci pensiamo, in un tempo in cui più di ogni altro la musica "di successo" è quella orientata al massimalismo (che sia in termini di immagine, di tecnica, di numero di battiti o di rumorosità), il disco del duo Legrand/Scally è un'oasi di dolcezza e malinconia in cui tuffarsi senza vergogna, data la totale assenza di stucchevolezze che, parlando di una materia che si colloca nella categoria "dream pop" (almeno, così si dice), sono costantemente dietro l'angolo. In realtà non solo dream pop, tiriamo pure in ballo anche lo shoegaze meno fragoroso (sdempre che esista!), alcune cose dei mai abbastanza lodati Arcade Fire e in generale un talento melodico di cui ultimamente si sentiva la mancanza (Galaxie 500 forever!).
E allora, il disco è "lentius" quanto possono esserlo canzoni che invitano a guardare fuori dalla finestra e viaggiare nello spazio, nel tempo, senza narcolettici abissi né "stonature" di psichedelica memoria, perché è anche un disco "profundius", i rintocchi della chitarra di Alex Scally sono gocce che inumidiscono e rinfrescano l'anima, senza voler essere terapia per alcun dolore, giacché è anche "suavius", accarezza e conforta, apre il respiro e a tratti diventa così evocativo da invitarti ad abbracciare metaforicamente l'universo, in armonia con quanto ti circonda. A voler, per obblighi di scrittura, citare per forza qualche pezzo, a spiaccare sono l'opening Zebra, il singolo Norway, l'evocativa Silver Soul, ma anche Lover of mine e senza scordare l'autunnale Walk in the park, per chi scrive forse il vertice assoluto del disco.
E che dire del titolo? Non ne ho idea, ma l'atmosfera generale mi fa pensare che un determinato mood, asupicato e irraggiungibile, sia "a portata di tocco" solo nei momenti più belli di quel periodo di grazia assoluto che è l'adolescenza. Qualcuno tra i milioni di adolescenti lettori di Discarica vuole commentare? Per noi vecchioni l'adolescenza è ormai vicina tanto quanto la "Golden Age" dei comics, non so se rendo!
Le cronache lo danno come inferiore rispetto ai lavori precedenti, che peraltro non ho ascoltato (lo farò, ma solo dopo questa recensione). E quindi? Non me ne importa una cippa. Gran disco, punto e basta. Grazie a Ondarock per averlo inserito come disco del mese a gennaio.

Year Long Disaster - Black Magic; All Mysteries Revealed

2010-03-27T14:58:00.000-07:00

Niente trucchi e niente inganni. Qui siamo al cospetto di Rock and Roll puro, con tutti i crismi e gli orpelli inderogabili imposti dalle circostanze. Balziamo indietro di trent'anni, e va bene. Troviamo un cantante che nulla toglie e nulla aggiunge alla tradizione led zeppelinniana del grido sguaiato, e va bene. Troviamo una chitarra saturissima con il suo bel assolo a metà del pezzo, e va bene. Troviamo un ritornello in ogni brano quasi da compilation di hit californiane, e va bene. Troviamo una produzione che farebbe invidia ai Metallica, e va bene.
Ma quello che non va assolutamente bene è la sensazione di stupore che si prova ad essere improvvisamente coscienti di apprezzare questa combinazione assolutamente scontata di cliché. Come se vi ritrovaste a canticchiare una canzone di Celentano finendo per dire tra voi che "bè, non è poi così male questa roba qua".
Stessa cosa.
Inutile indicare un brano piuttosto di un altro. Nessuno spicca e nessuno perde nel confronto. Sta tutto in una media standard che non offre mai l'accelerazione da brivido, ma ciò nonostante riesce a tenervi incollati all'ascolto come in un incanto.
Non avvicinatevi a questo disco se siete alla ricerca di lavori raffinati e se il divertimento non vi sta a cuore se non accompagnato da una buona dose di riflessione.

Oggetto prezioso solo se lo si pensa in un contorno di autovettura che sfreccia a tutta velocità nella notte, portacenere affollato di cicche e spazzatura sparpagliata nell'abitacolo.
Dischi come questo sono indispensabili.

LX died in New Orleans on March 17, 2010

2010-03-18T00:08:00.000-07:00

Ieri se n'è andato anche Alex Chilton.
Come diceva qualcuno, "gli Dei se ne vanno, gli arrabbiati restano"...

indovina chi

2010-03-17T03:05:00.000-07:00

La Bibbia della Black Music

2010-03-14T04:14:00.000-07:00

Devo apportare una doverosa correzione alla mia personale classifica del decennio.

Aggiungere un disco come questo è doveroso.

I Gorillaz sono tornati!!!

2010-03-11T11:07:00.000-08:00

fichissimi come sempre

Ciao Mark

2010-03-07T07:41:00.000-08:00

Anche Mark Linkous ha deciso di lasciarci ieri. Un colpo di pistola.

Che cazzo Mark...

The Hot Rats - Turn Ons

2010-03-06T10:12:00.000-08:00

Orfani del bassista Mick Quinn, infortunatosi in un incidente casalingo, i Supergrass decidono di sospendere momentaneamente la produzione di nuovi brani per suonare cover sotto il nome di The Hot Rats.
Ho sempre avuto l'impressione che i Supergrass fossero dei rocker genuini nonostante poco dotati da un punto di vista compositivo, ed il fatto di decidere di dedicarsi al divertimento puro, che solo l'esperienza di una sana e consapevole libidine da cover può dare, dà la misura dello spirito banditesco di queste ex nuove promesse del britpop.
Ed ecco quindi che i due quasi trentacinquenni Gaz Coombes e Danny Goffey si votano al divertimento puro indossando i panni dei Velvet, dei Kinks, di David Bowie, di Elvis Costello e di molte altre celebrità rinomate per reinterpretarne alcuni pezzi. Lo fanno in maniera spudorata, imitando dove possibile addirittura la voce ed incrementandone le caratteristiche peculiari.
Ciò nondimeno li arricchiscono proprio grazie all'assetto ridotto, che da una parte costringe Gaz a suonare la chitarra in modo da cercare d'invadere tutti gli spazi lasciati vuoti, alle volte arrivando ad emettere rumori che sembrano appartenere più ad un potente motore a scoppio che ad uno strumento, e dall'altra costringe Goffrey a superarsi e a battere sui piatti come un vero e proprio drago.
Il risultato è entusiasmante.
Su tutti i brani valga (You Gotta) Fight For Your Right (To Party!) dei Beastie Boys, trasfigurata in versione power pop come nessuno sarebbe stato in grado.
L'asse dissonante della natura implicita dei brani sembra consentire al duo di sfogare una rabbia contenuta fino a questo momento. Una gioia quasi bambinesca esce fuori da questo album di appena trenta minuti.

Diffidate di chi vi dice ad esempio che "Il tutto è piuttosto divertente e vitaminico, ma anche parecchio inutile, soprattutto in tempi di playlist su iTunes". Coloro che v'imboccano con queste stronzate o non hanno mai suonato in vita loro oppure sono totalmente incapaci di provare - poveri loro - quella sensazione caratteristica di tensione al basso ventre tipica della reazione al rock and roll.

2010-03-02T13:12:00.001-08:00

2010-02-22T06:36:00.000-08:00

2010-02-09T06:05:00.001-08:00

Indovina chi

2010-02-09T05:39:00.000-08:00

secondo voi chi potrebbe essere il personaggio in questione?

Jagga Jazzist - One Armed Bandit

2010-02-06T01:32:00.000-08:00

Verrebbe da dire "Finalmente". I Jagga hanno sempre dimostrato di avere un talento immenso. Solo che lo spirito profondamente anarcoide, tra l'altro mai nascosto dall'ensemble, ha sempre impedito loro di esprimere in modo chiaro le loro qualità. Come se il fatto di essere in nove musicisti, tutti alla costante ricerca di ritagliarsi uno spazio sonoro significativo e tutti abbondantemente creativi, avesse procurato alla loro musica più danni che benefici. Fino a "One Armed Bandit" le composizioni dei Jagga sono state caratterizzate da un numero considerevoli di contrappunti, cambi di tempo, sovrapposizioni multiple di strumenti, tanto da non consentire alla melodia di emergere come avrebbe dovuto.
Adesso invece siamo al cospetto di un'opera notevolmente più matura, nella quale è certamente presente la costante disorganica, ma allo stesso tempo anche una buona dose di pianificazione prima di adesso quasi estranea nell'operato dei Jagga.
Emergono cioè prepotenti le melodie, in mezzo al chiasso sonoro, distinte ed intenzionalmente belle e ragionate. Se vogliamo fare dei paragoni sembra di assistere a certe cose dei primissimi Tortoise, nonché dei Matching Mole di Robert Wyatt (soprattutto quando i principali protagonisti sono i fiati).
Una nota di notevole pregio è certamente il modo di comportarsi del capo-squadra Lars Horntveth, che al di là dell'apporto compositivo ha deciso di sacrificarsi per il bene del gruppo, ritagliandosi solo pochi momenti di azione musicale, come ad esempio in "V,Spektral" (ricordiamo che Lars suona il Sassofono Tenore).

Insomma, i Jagga sembrano essere gli unici al mondo seriamente intenzionati a dare una nuova forma al jazz. Appaiono sempre alla costante ricerca di una dimensione e di una direzione, ma in realtà è proprio questo il bello. Il senso di precarietà caratteristico del jazz è bene espresso dal loro piano programmatico. L'incertezza al di sopra di tutto. Poi sarà la qualità e l'intuito a fare il resto...
Ma sopratutto saranno queste ultime loro caratteristiche a consentire loro di aprire nuove direzioni ad un genere ormai salvabile solo dall'infiammabilità di una mente malata

e geniale come la loro

Mission of Burma

2010-02-02T08:31:00.000-08:00

Mission of Burma RULES!
Ascoltatevi il live "The horrible truth about Burma", prossimamente su questo blog...

Blind Idiot God - s/t

2010-01-31T09:22:00.001-08:00

Blind Idiot God, o il suono dell'apocalisse. Circa.
In rete si trovano disquisizioni di varia natura sulla portata dell'opera di questi tizi. Potremmo fare perfino un sondaggio su che etichetta appiccicare al genere suonato da questi ragazzi straordinari. Math rock? Noise rock? Post hardcore? Speed Thrash? Speed post hard noise rock punk metal?
I Blind Idiot God sono (sì, sono: dopo uno iato quasi ventennale, sembra siano tornati tra noi!) un trio strumentale con base a NY, erede degenerato di una formula che tanto ha contribuito a fare del rock il genere che conosciamo e amiamo (dai Cream ai Blue Cheer, dai Jam ai Nirvana è una lunghissima e a tratti imbarazzante storia...). E, se è vero (suvvia, ammettiamolo!) che a noi il rock piace perché puntellato di ego mostruosi che usano dischi e palco per esercizi masturbatori più o meno piacevoli e artisticamente sensati, i BIG ci mostrano che è possibile amare alla follia anche un power-trio privo di divismi, assolazzi, vocalizzi agghiaccianti, che ci offre solo un muro del suono distorto e disturbante che si vaporizza negli echi, rarefatti e lontani, stranianti e alieni, di quello che potrebbe essere l'ultimo dub sulla terra. In fondo, son la rassicurazione che il dio del rock’n roll a volte non è né cieco né idiota e ha fortunatamente voluto loro che si abbeverassero da Pistole del Sesso, Gioventù Sonica e colleghi della SST, piuttosto che da progressisti o fusionisti vari.
Nella prima parte del disco le canzoni sono colate laviche in cui basso e batteria creano una sorta di base epilettica, pur senza essere messi in secondo piano da una chitarra che si diletta a ricamare pizzi e merletti di terrorismo sonico, creando qui e là atmosfere quasi ambient; a tratti si ha l’idea di sentire un gruppo speed metal senza componente macha (il sogno di noi tutti alterna-nerds!), altrove le spirali chitarristiche di Hawkins fanno impallidire le pretese rumoristiche di Thurston Moore, riuscendo a ricercare (creare?) un suono nuovo evitando cerebralismi di qualsiasi sorta. Ciò che impedisce al vulcano di trasformarsi in bomba atomica è, forse, la produzione un po' schifida, anche se ho il forte sospetto che siano stati gli stessi musicisti a desiderare un caos compresso, quasi a voler aggiungere un senso di oppressione a paesaggi post-atomici, per descrivere l'umanità come una colonia di formiche costretta a vivere in un erbario devastato dal Napalm.
Non so se sia corretto affermare, come fanno alcuni, che i BIG sono stati il trait d'union tra hardcore e post rock. Più probabile è che abbiano fatto parte di un manipolo di musicisti che, nello stesso periodo, a volte senza nemmeno conoscersi, hanno "intuito" sprazzi di futuro. In questo senso fa sorridere l'ascolto di "More Time", pezzo dei Meters che spezza la tensione costruita in precedenza dalle varie "Tired blood" e "Subteranean Flight", e che con un cantante à la Percy farebbe la sua porca figura nelle playlist rockettare di mezzo mondo; invece eccola qui, slabbrata e preludio al quasi-funk di "Dark & Bright", che a sua volta ci fa uscire dai gironi infernali per accoglierci nel Limbo narcotico dei 3 dub finali, in un crescendo di rarefazione e stordimento; quasi che stando "là sotto" l'unico modo per sopportare la mancanza di dio sia la droga che prende schegge della furia antecendente e le trasforma in scheletriche battute in levare.
A mio umilissimo avviso, i BIG sono da annoverare tra gli ultimi che, con il solo ausilio di strumenti "tradizionali", sono riusciti a portare nel rock una piccola rivoluzione. Non per nulla collaborarono, dopo questo disco, con quel geniaccio snob che è John Zorn, all'epoca in pieno trip jazz-noise (eravamo in fase Painkiller e pre-Naked City). E dimostrano, una volta in più, la lungimiranza della SST, che fortunatamente non si limitò a buttar fuori dischi di pur favoloso hardcore ma valorizzò produzioni assolutamente "sui generis" che se dell'hardcore erano parenti, lo hanno spinto in avanti e soprattutto ne hanno impedito l'affossamento negli stereotipi del genere. Per capire quanto scrivo, provate ad assaggiare anche "The process of weeding out" dei Black Flag o "Paganicons" dei Saccharine Trust (ne scriverò, presumo tra un paio d'anni, vista la mia proverbiale lentezza...). Tutte produzioni che raccontano del corto-circuito dell'american dream (anche se per i fondatori della SST l'american dream s'è avverato eccome) e confermano che gli anni '80 furono, a dispetto di quanto s'afferma in giro, un decennio musicalmente straordinario.

27 gennaio

2010-01-27T13:09:00.000-08:00

Anche Discarica celebra, alla sua maniera, la giornata della memoria...

2010-01-27T06:29:00.000-08:00